Salas de Cine

Beetlejuice 2

El icónico fantasma regresa a la pantalla grande en una secuela que promete tanta diversión y caos como la original. Con un reparto estelar que incluye a Michael Keaton y Winona Ryder, esta cinta mezcla humor negro y fantasía en una trama donde los vivos y los muertos vuelven a cruzar sus caminos de manera inesperada. Este esperado estreno estará disponible en las salas de cine ecuatorianas a partir del 5 de septiembre.

No hables con extraños

Este thriller psicológico, que debutará el 12 de septiembre, sigue a una joven que, tras un encuentro casual con un extraño, ve cómo su vida se convierte en una espiral de misterio y terror. Con una atmósfera tensa y giros inesperados, esta película es ideal para quienes buscan emociones fuertes.

Transformers One

El 12 de septiembre también, llega a los cines Transformers One, una precuela que explora los orígenes de la eterna batalla entre Autobots y Decepticons en el planeta Cybertron. Con un despliegue de efectos visuales impresionantes y una narrativa épica, esta película es una cita obligada para los fanáticos de la saga y los amantes del cine de acción.

Plataformas de Streaming

Usher: Rendezvous in Paris

Es una película concierto que captura la esencia de sus icónicas residencias en Las Vegas, convirtiéndolas en una seductora confesión con acento francés. Fue grabada durante la Semana de la moda de París en la sala de conciertos La Seine Musicale y presenta temas icónicos como «Yeah!», «My Boo», «Love In This Club» junto con muchos otros grandes éxitos de los 30 años de carrera de USHER.

Jung Kook: I Am Still

El fenómeno global Jung Kook presenta un documental íntimo que ofrece una mirada única a su vida dentro y fuera del escenario. Desde su ascenso a la fama hasta sus desafíos personales, esta producción es un imperdible para los seguidores del K-pop. Estará disponible en Netflix a partir del 18 de septiembre.

Wolfs

Es un thriller dramático que sigue la historia de dos solitarios «fixers» que deben colaborar en un trabajo peligroso. Con actuaciones destacadas y una trama intensa, la serie se estrenará en Apple TV+ el 6 de septiembre.

El ocaso de los dioses

En esta serie dramática, un poderoso imperio comienza a tambalearse cuando secretos oscuros salen a la luz. Con un elenco formidable y una narrativa rica en intriga, El ocaso de los dioses explora los dilemas morales y las luchas de poder que definen a sus protagonistas. Se estrenará en Netflix el 19 de septiembre.

La reina de las villanas

En el alocado Japón de los 80’s, una bondadosa chica se transforma en una luchadora profesional sedienta de sangre que brilla en peleas caóticas y se gana el odio de todo un país. Disponible en Netflix a partir del 19 de septiembre.

Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menendez

Netflix presenta una miniserie basada en la historia real de los hermanos Menéndez, quienes fueron condenados por el asesinato de sus padres en uno de los casos más notorios de los años 90. La serie ofrece una perspectiva renovada sobre los eventos que llevaron al trágico desenlace, disponible en la plataforma a partir del 19 de septiembre.

Agatha, ¿quién si no?

Una serie de misterio que sigue a una brillante detective mientras resuelve algunos de los casos más complicados de su carrera. Con un tono ligero y personajes carismáticos, esta producción de Disney+ es perfecta para los amantes de las historias de detectives, y se estrena el 18 de septiembre.

El Pingüino

En esta serie, el infame Pingüino del universo de Batman toma el centro del escenario, explorando su ascenso en el inframundo criminal de Gotham. Con una actuación destacada y una trama que profundiza en los matices del villano, El Pingüino es uno de los estrenos más esperados en Max, y estará disponible a partir del 20 de septiembre.

Uzumaki

Uzumaki, una adaptación de la aclamada obra de Junji Ito, llegará a Max el 28 de septiembre. Este anime de terror psicológico promete ser tan perturbador como la obra original al explorar la espiral de locura que envuelve a una pequeña ciudad japonesa.

Agente cinturón negro

Esta comedia dramática coreana sigue a un artista marcial y su oficial de libertad condicional mientras combaten el crimen en las calles de Seúl. Con acción, humor y momentos de introspección, Agente cinturón negro se perfila como una propuesta fresca en el catálogo de Netflix, disponible a partir del 13 de septiembre.

Cómo cazar a un monstruo

Prime Video estrena Cómo cazar a un monstruo, una película de suspenso que sigue a un grupo de jóvenes mientras intentan sobrevivir a la caza de una criatura mítica. Con una combinación de horror y aventura, esta cinta promete mantener a los espectadores al borde de sus asientos y estará disponible a partir del 6 de septiembre.

En fin

Una comedia dramática que explora las complejidades de las relaciones humanas a través de un grupo de amigos que se reencuentran después de años. Con un guion agudo y situaciones tanto hilarantes como emotivas, esta película se estrena en Prime Video el 13 de septiembre.

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El proyecto se encuentra actualmente en proceso de filmación en suelo colombiano y
cuenta con el liderazgo de la productora colombiana “La Pre”. Se espera que en las
próximas semanas se revele el tráiler oficial de la película, y su estreno se llevará a
cabo simultáneamente en Colombia y Ecuador a finales de septiembre.

»Estoy ansioso por compartir con la audiencia de ambos países esta experiencia única, que seguramente dejará a todos reflexionando después de que terminen los créditos. Este proyecto, además de ofrecer un viaje lleno de suspenso y misterio, también nos invita a cuestionarnos sobre un aspecto fundamental de la vida que nos involucra a todos como sociedad. Estoy seguro de que toda la audiencia quedará gratamente sorprendida», dijo Juan Carlos Beltrán, director del proyecto.

Uno de los grandes misterios de este proyecto es que la identidad del protagonista
del filme se mantiene en secreto hasta el momento. Sin embargo, se sabe que El
Siete Mujeres deambula entre ambos países, generando expectativa y curiosidad en
el público.

El lanzamiento llegará en simultáneo a la pantalla grande en Colombia y Ecuador, y después estará alojado en su propia página web para que el público tenga la
posibilidad de acceder al contenido desde diferentes plataformas y disfrutar de este
relato que dejará a más de uno con la boca abierta.

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Para celebrar esta ocasión especial, la Cinemateca Nacional preparó una cartelera entre el 1 al 7 de agosto con la temática: 100 años de cine ecuatoriano entre películas silentes, clásicas, taquilleras y cine infantil. Varias de los filmes contarán con un foro posterior con los directores de cada película.

La leyenda de Augusto San Miguel

San Miguel nació en Guayaquil en 1906. Hijo de una familia pudiente, colaboraba para periódicos nacionales y extranjeros. Con el dinero que le dejó su padre fundó la compañía Ecuador Film Co. para realizar El Tesoro de Atahualpa. En sus películas, además de director, era actor, guionista y camarógrafo. Sus otras dos películas son: Se necesita una guagua (1925), Un abismo y dos almas (1925). Después se dedicó al teatro con obras como: El último bohemio (1930), Tercer cuartel (1936), Al revés de la razón (1937). Murió el 7 de noviembre de 1937.

De El Tesoro de Atahualpa (1924) no queda ninguna copia, sabemos de su existencia por las publicaciones de los periodicos de su estreno en los teatros Edén y Colón de Guayaquil. La leyenda dice que el director pidió ser enterrado con todas sus copias. La película se rodó en Guayaquil Durán y otras ciudades a lo largo del tren y trata sobre un estudiante de medicina que va tras el tesoro del inca y deberá enfrentarse a un extranjero que tiene el mismo objetivo. En la película apareció Evelina Orellana, la primera actriz ecuatoriana. (MIB).

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El anuncio se realizó de manera espectacular cuando Downey Jr. apareció en el escenario ataviado con el característico traje verde y la máscara plateada del Doctor Doom. Ante una audiencia asombrada, el actor se quitó la máscara y pronunció la frase: «La misma máscara, nueva tarea», con lo que confirma así su nuevo papel en el UCM.

Kevin Feige, director ejecutivo de Marvel Studios, aprovechó la ocasión para hacer dos anuncios importantes:

• Los hermanos Russo, directores de éxitos como «Avengers: Infinity War», volverán para dirigir dos nuevas películas de los Vengadores: «Avengers: Doomsday» (prevista para mayo de 2026) y «Avengers: Secret Wars» (programada para 2027).
• También confirmaron el elenco de «Los Cuatro Fantásticos», con Pedro Pascal a la cabeza, acompañado por Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachran.

¿Cómo se justificaría su aparición como el Doctor Doom?

La elección de Downey Jr. como Doctor Doom generó numerosas teorías sobre cómo se integrará este personaje en el UCM. Una posibilidad, inspirada en el cómic «What If? Iron Man: Demon in an Armor Vol 1 1», sugiere un intercambio de cuerpos entre Tony Stark y Victor von Doom. Esto permitiría a Downey Jr. mantener la apariencia de Stark mientras interpreta la personalidad de Doom.

Otra teoría apunta a que este Doctor Doom podría provenir de un universo alternativo, similar al regreso de Hugh Jackman como Wolverine en «Deadpool 3». Esta explicación encajaría con la exploración del multiverso en las recientes producciones de Marvel.

¿Quién es el Doctor Doom?

El Doctor Doom, conocido por ser uno de los villanos más carismáticos de Marvel, es un brillante científico y poderoso hechicero. Sus habilidades incluyen fuerza sobrehumana, viajes en el tiempo y manipulación de energía cósmica, lo que lo convierte en un adversario formidable para los héroes de Marvel.

La decisión de traer de vuelta a Downey Jr. en este nuevo papel es calificada como la «decisión de casting más arriesgada de Marvel Studios en toda su historia». Los fans están divididos entre la emoción de ver al querido actor de vuelta en el UCM y la preocupación de que esto pueda disminuir el impacto de su sacrificio como Iron Man en «Avengers: Endgame».

Sin embargo, Feige aseguró que el regreso de Downey Jr. se manejará con respeto hacia las historias ya establecidas, lo que sugiere que este Doctor Doom podría ser de un universo alternativo para mantener intacto el arco narrativo del Tony Stark original. Con estas noticias, Marvel parece preparar el terreno para una nueva era de su universo cinematográfico, con Doctor Doom posicionándose como un villano central en las próximas fases. Los fans esperan con ansias más detalles sobre cómo se desarrollará esta audaz nueva dirección en el UCM.

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«Mi querida, dulce y maravillosa compañera y amiga nos ha dejado. Ha sufrido demasiado últimamente, ahora es libre. Vuela alto, hermosa Shelley», dijo a la prensa.

Duval en el cine

Shelley Alexis Duvall nació el 7 de julio de 1949 en Fort Worth, Texas. Hija de Bob, un subastador de ganado convertido en abogado, y Bobbie, una agente inmobiliaria. Se interesó inicialmente en la investigación científica, pero la descubrieron los miembros del equipo de Robert Altman mientras asistía a South Texas Junior College en Houston, lo que cambiaría su rumbo de vida al cine.

Su debut en la pantalla grande llegó con la película Volar es para los pájaros (1970), una comedia negra dirigida por Altman. Esta colaboración fue el inicio de una fructífera relación profesional con el famoso cineasta, quien también la seleccionó para papeles en Los vividores (McCabe & Mrs. Miller,1971), Los delincuentes (1974) y Nashville (1975).

Uno de los mejores trabajos de su carrera fue 3 mujeres, otra colaboración con Altman que le valió el premio a Mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes y una nominación al BAFTA. En este drama psicológico, Duvall interpretó a Millie Lamoureaux, una carismática trabajadora de un spa en una compleja interacción con otras dos damas de personalidades disímiles.

En 1977, Shelley apareció como una periodista de Rolling Stone en el largometraje Annie Hall de Woody Allen, donde conoció al músico Paul Simon, con quien mantuvo una relación de dos años.

Tres años después, Duvall se convirtió en Olivia Olivo en la adaptación de Popeye dirigida por Altman. Un filme en el que compartió escenas con Robin Williams. La película ahora acumula reseñas mixtas, pero en su momento los críticos fueron implacables con su desarrollo.

El Resplandor

Pero el papel por el que más se recuerda a Shelley, y el más exigente emocionalmente para ella, fue el de Wendy Torrance en El resplandor (1980), la adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King dirigida por Stanley Kubrick.

En varias entrevistas, la actriz describió que trabajar con el riguroso cineasta fue arduo. Él pedía repetir las tomas de forma incansable y con una intensidad emocional muy alta debido a la historia. Su personaje además representaba la desesperación y el terror por el comportamiento de su marido.

La icónica escena del bate de béisbol fue repetida más de 100 veces en el rodaje, lo que estableció un récord Guinness por la mayor cantidad de tomas de una escena con diálogo. Duvall admitió que esta experiencia fue una de las más extenuantes.

“Después de un tiempo, tu cuerpo se rebela. Dice: ‘Deja de hacerme esto. No quiero llorar todos los días’”, recordó Duvall en conversación con The Hollywood Reporter en 2021. “A veces, solo ese pensamiento me hacía llorar. Despertarme un lunes por la mañana muy temprano y darme cuenta de que tenía que llorar todo el día porque estaba programado así… Simplemente comenzaba a sollozar”.

Fuente: Infobae

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Deadpool & Wolverine

Fecha de estreno: 25 de julio de 2024
Deadpool y Wolverine se enfrentan a una nueva amenaza existencial, obligando a Wade Wilson a retomar su vida como el mercenario Deadpool. Esta película promete acción y humor con el icónico dúo de personajes de Marvel​.

La Otra Cara de la Luna

Fecha de estreno: 11 de julio de 2024

Una comedia romántica dirigida por Greg Berlanti. Ambientada en la carrera espacial de las décadas de 1950 y 1960, la película narra la historia de amor entre personajes interpretados por Scarlett Johansson y Channing Tatum. La trama se desarrolla en el contexto de la rivalidad entre Estados Unidos y la Unión Soviética​ (SensaCine.com)​.

Tornados

Fecha de estreno: 11 de julio de 2024
Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas, y Tyler Owens, una superestrella de las redes sociales, se ven atrapados en una serie de tornados en Oklahoma. La película combina elementos de acción y drama mientras los personajes intentan sobrevivir a la temporada de tormentas​.

MaXXXine

Fecha de estreno: 4 de julio de 2024
En los años 80, en Hollywood, la aspirante a actriz Maxine Minx enfrenta una serie de asesinatos que amenazan con revelar su oscuro pasado. Esta película es una mezcla de thriller y horror que promete mantener a los espectadores al borde de sus asientos​.

El Último Escape

Fecha de estreno: 8 de julio de 2024
Basada en hechos reales, esta película sigue a Bernard Jordan, un veterano de la Segunda Guerra Mundial de 89 años, que escapa de su residencia para unirse a sus antiguos compañeros en una conmemoración del Desembarco de Normandía. Protagonizada por Michael Caine y Glenda Jackson, es un drama conmovedor sobre valentía y amistad​.

No mires al demonio (Don’t Look at the Demon)

Fecha de estreno: 18 de julio

La película se centra en un equipo de investigadores paranormales que visita una casa en Malasia, presuntamente acechada por una entidad maligna. Jules, una médium con un trágico pasado, descubre que la presencia en la casa está vinculada a un antiguo ritual tailandés. La película destaca por sus efectos especiales y la actuación de Fiona Dourif​.

Blue Lock

Fecha de estreno: 11 de julio

Adaptación del popular manga y anime, «Blue Lock» sigue la historia de un programa especial de entrenamiento para futbolistas jóvenes con el objetivo de crear el mejor delantero del mundo. La película promete ser una emocionante experiencia para los fanáticos del fútbol y el anime.

Borderlands

Fecha de estreno: 8 de agosto

Basada en el popular videojuego, «Borderlands» sigue a un grupo de cazadores de tesoros en el planeta Pandora mientras buscan una bóveda alienígena llena de tecnología avanzada. Con un elenco estelar que incluye a Cate Blanchett y Kevin Hart, esta película combina acción y comedia en un entorno futurista.

Harold y el Crayón Mágico

Fecha de estreno: 2 de agosto

Adaptación del clásico libro infantil, esta película cuenta la historia de Harold, un niño que con su crayón mágico puede crear mundos enteros. A medida que dibuja sus aventuras, Harold aprende valiosas lecciones sobre imaginación y resolución de problemas.

Romper el Círculo

Fecha de estreno: 8 de agosto

La película sigue la historia de una mujer atrapada en una relación abusiva que decide tomar medidas drásticas para recuperar su vida y libertad. Un drama intenso que explora temas de resiliencia y superación personal.

Tipos de Gentileza

Fecha de estreno: 22 de agosto

Una comedia romántica que gira en torno a un grupo de amigos que navegan por los altibajos de sus vidas amorosas y profesionales, descubriendo la importancia de la amabilidad y la empatía en sus relaciones diarias.

Mantente atento a estos lanzamientos en las salas de cine ecuatorianas para disfrutar de una variedad de géneros y emocionantes historias.

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Con su visión única, la cineasta ecuatoriana nos invita a detenernos y vivir el momento, mostrando que la imaginación y la ficción son vitales para entender y habitar la realidad.

Carla/Isla: La Odisea de una Adolescente

Imagina un escenario donde Carla, una niña en el umbral de la adolescencia, llega a las Galápagos cargando el dolor de la pérdida de su hermano. Acompañada de su padre, un biólogo marino obsesionado con la conservación de tortugas (posiblemente sueña con caparazones en lugar de ovejas), Carla se encuentra en un viaje de siete días que evocan los del Génesis.

Aquí, la ciencia y la magia se entrelazan cuando conoce a Wiki y Darwin, dos jóvenes que junto a Harriet, una enigmática curandera trans que parece haber salido de un sueño febril, la llevan en un viaje de sanación, la guiarán en un viaje de sanación, donde descubrirá que la verdadera cura no está en la medicina, sino en la ficción y la imaginación.

La Ficción como Estrategia de Supervivencia

Tania Hermida nos propone algo revolucionario y nos lanza un dardo directo al corazón: la ficción no es solo un refugio para cobardes, sino una necesidad vital, mental y espiritual. “La invención de las especies gira en torno a la ficción no como un camino más para entender la realidad, sino como el único camino para adquirir herramientas para estar en lo que llamamos realidad, para estar en el mundo”, dice Hermida. A través de personajes y historias creadas, encontramos experiencias que nos ayudan a entender las nuestras, ofreciendo una forma de sanación y comprensión profundas. Porque, seamos sinceros ¿quién quiere ser normal en un mundo que se desmorona? La normalidad está sobrevalorada. La película nos ofrece una vía de escape, no para huir, sino para enfrentarnos a nuestras tormentas internas con herramientas que trascienden lo convencional.

Un Elenco que Brilla con Luz Propia

El casting de esta película es un testimonio del ojo clínico de Hermida para encontrar almas que realmente encarnen a sus personajes. Ana María Carrión como Carla/Isla, Gabriel Saltos como Wiki y Jean Carlo Cabrera como Darwin, cada uno trae una autenticidad que trasciende la pantalla, no solo actúan; viven, respiran y sueñan sus papeles. Y Pancho Aguirre, habitual cómplice de Hermida, brilla como Harriet, el guía espiritual cuya sabiduría y poesía nos atrapan en un hechizo del que no queremos despertar. Porque, ¿quién necesita a Gabriela Mistral cuando tienes a Harriet? Bueno, exagero un poco.

Galápagos: Más Allá de la Postal

Rodada en la isla Isabela durante noviembre y diciembre de 2020, Galápagos no es simplemente un telón de fondo, es un personaje más en esta epopeya. Hermida evita las típicas postales turísticas y nos muestra los rincones habitados por la gente real, una tierra viva y pulsante de historias. Desde el Muro de las Lágrimas hasta los recovecos más íntimos de la isla, cada lugar se convierte en un elemento narrativo crucial, humanizando el archipiélago y mostrándonos que Galápagos es mucho más que su biodiversidad.

La Dualidad de lo Femenino y lo Innombrable

La invención de las especies es una oda a la literatura. En su obra, Tania Hermida explora la dualidad entre lo femenino y lo innombrable como fuerzas transformadoras. “Solo aquello que tiene nombre muere”, dice un verso de Chantal Maillard que abre la película. Desde las referencias a Herman Melville y Gabriel García Márquez, hasta la poderosa declamación de «Sollozo por Pedro Jara» de Efraín Jara Idrovo, la película está impregnada de un amor profundo por las palabras.

Hermida utiliza estas referencias no solo como adornos, sino como pilares fundamentales de su narrativa, recordándonos que la literatura y el cine son dos caras de la misma moneda creativa. La película se inspira en textos como El origen de las especies de Charles Darwin, la Biblia y Las mil y una noches, tejiendo una narrativa que es a la vez científica, sagrada y poética. Porque, al final del día, ¿qué es la ciencia sin un poco de magia?

Reflexión y Transformación

Carla/Isla, guiada por Harriet y sus amigos, descubre que la sanación no proviene de la ciencia ni de la lógica, sino de la capacidad de narrar su propia historia. Esta película nos recuerda el poder de las palabras y la importancia de contar nuestras propias historias. Como las iguanas marinas que evolucionaron para sobrevivir, Carla se transforma en Isla, aprendiendo a aferrarse a la vida y a emerger más fuerte.

Tienen que Ver la Película

“La Invención de las Especies” está en la cartelera de los cines ecuatorianos, no voy a hacerles publicidad a ellos, pero esta elícula es una obra que consolida el ADN cinematográfico de Tania Hermida, explorando la transformación y el poder de la ficción en la vida humana. Es una meditación sobre la vida, la muerte y todo lo que hay en medio. Hermida nos invita a detenernos, a vivir el momento, y a encontrar en la ficción las herramientas para enfrentar la realidad. Porque, al final del día, es a través de las historias que encontramos sentido y sanación en este caótico pero maravilloso mundo.

Y si aún no lo han entendido, es hora de que vean la película y se dejen llevar por esta marea de ficción y realidad entrelazadas. Porque, seamos sinceros, ¿quién quiere una vida sin sorpresas?

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DP

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Quito, 25 abr (La Calle).-  El destacado cineasta y explorador Luis Felipe Fernández-Salvador y Campodonico, presidente de la Fundación Identidad Nacional (FIN), una ONG ecuatoriana sin fines de lucro ha sido recientemente reconocido con el prestigioso premio «Golden Millennium». Este honor fue otorgado por el renombrado director de cine Oliver Stone en Bruselas, durante el Festival de los ODS de la ONU (Millenium) que se enfoca en promover los 17 Objetivos de Desarrollo Sostenible.

El «Golden Millennium» distingue a las personalidades que promueven la unidad, cultura y prácticas sustentables en el mundo. Luis Felipe Fernández-Salvador y Campodonico recibió este galardón por su creativo enfoque del «Realismo Fantástico» que ha ejercido notable influencia en la conciencia ambiental y social, principalmente del séptimo arte.

Oliver Stone, quien ha ganado múltiples Óscares y reconocido por cintas como «Platoon», «JFK» y «Wall Street», hizo entrega del reconocimiento, valorando la afinidad de su propia narrativa crítica con los esfuerzos activistas de Luis Felipe.

La trayectoria de Stone, marcada por una exploración sin censura de los dilemas actuales y la naturaleza humana, encontró eco en la labor del presidente de la FIN, quien a través de su trabajo impulsa un cambio significativo alineado con los ideales de desarrollo sostenible y equidad social.

Durante el festival, Stone destacó la expansión del alcance de este evento a Ecuador, subrayando el papel crucial y prometedor de Luis Felipe: “Sé que eres un luchador por nuestro mundo. Te deseo la mejor de las suertes y creo que este reconocimiento será el primero de varios en el camino hacia tu destino”. Estas palabras subrayaron el impacto significativo de Luis Felipe en fomentar la conciencia ambiental y la acción global mediante el cine.

Al recibir el Golden Millennium, Fernández-Salvador compartió un mensaje con los líderes mundiales reunidos en el evento: «La cultura es un arma de construcción masiva, esencial para forjar el futuro sostenible que anhelamos. Hoy, este reconocimiento no solo honra nuestra obra, sino que reafirma nuestra misión de promover la comprensión y la paz.

Nos preparamos para acoger la primera edición del Festival de los ODS de la ONU (Milleniun) en el Sur Global, un hito que situará a Ecuador en el mapa mundial y promete atraer a una lluvia de talentos y estrellas de Hollywood,  que posicionará al Ecuador como un santuario natural ante los ojos del mundo. Este premio va más allá del reconocimiento individual y representa nuestra dedicación colectiva a la unidad, la cultura y la preservación de nuestros entornos naturales y sociales».

El Festival de los ODS de la ONU (Milleniun) a lo largo de sus ocho días llenos de actividad, evidenció la influencia del cine en la promoción de cambios sociales y medioambientales significativos.

El presidente de Fundación Identidad Nacional, con una trayectoria enraizada en la exploración, la realización cinematográfica, la filantropía y el liderazgo empresarial, está al frente de iniciativas con visión de futuro para el país y la región, buscando que las obras respaldadas alcancen eco internacional y enriquezcan el debate, generando más inversión mundial en industrias verdes y culturales que permitan a países cortar su dependencia en extractivismo y, sobre todo, concientizar a la población mundial sobre temas de justicia social y sostenibilidad que enriquezcan el diálogo.

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Leal.- Fidedigno, verídico y fiel, en el trato o en el desempeño de un oficio o cargo.

Imaginen esto. Un chico que hacía los favores a un mafioso llega a convertirse en Policía para ser soplón de dicho capo. Otro chico, cuya familia tuvo varios miembros que cometieron delitos, entra a la Policía para infiltrarse en el grupo de ese mafioso. Lo que sigue es una caza del gato y el ratón.

En 2006, Martin Scorsese (Godfellas, Taxi driver) nos contó esta historia. Tan buena que se llevó el Oscar a Mejor Película de ese año. Acompañamos al sargento Sullivan (Matt Damon) y al agente Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) en una continua persecución donde nadie es quien dice ser. Ni siquiera el jefe irlandés de la mafia que inicia todo esto: Frank Costello (Jack Nicholson).

La intriga y el trabajo que cada uno debe hacer sin ser descubierto le añaden a la trama un ápice de ansiedad. Costigan tiene que hacer lo posible para que no crean que es un policía y Sullivan intenta salvar de todas formas a Costello. Más que su jefe era un padre para él.

Si algo sabe Scorsese es de lo duras que son las calles. En este caso las de Boston y cómo cualquier movimiento calculado puede derrumbarse en un segundo. Antes de The Irishman (2019) tuvimos esta joya de película de un director que jamás ha dejado de creer en este tipo de cine que, como el vino, mejora con los años. Nicholson, Damon y DiCaprio tienen detrás a un elenco espectacular. Mark Wahlberg, Martin Sheen, Alec Baldwin y Vera Farmiga. Si le gustan las películas de la ley y el orden, The departed es una gran opción.

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La historia

«Lions of the Sea» narra la emotiva historia de la lucha por la supervivencia de Pinni, un joven león marino de las Galápagos, tras perder a su madre. La película captura la belleza y las pruebas de la vida en el archipiélago, destacando la importancia de la conservación mientras el cachorro enfrenta peligros naturales y humanos, interactuando con otros habitantes insulares como Lenny, una lagartija de lava, e Isabella, otra cría de león marino, y buscando un nuevo hogar. Este relato invita a contemplar la preservación de la rica biodiversidad de las Galápagos y la responsabilidad humana hacia estos ecosistemas frágiles.

El film se destaca por su equipo de producción de élite, fusionando la grandeza de Hollywood con el talento ecuatoriano. Bajo la producción de Adam Leipzig, exvicepresidente ejecutivo de Disney y presidente de National Geographic, y la fotografía de Guillermo Navarro, ganador del Oscar, el largometraje promete una experiencia visual sin precedentes. La música de Gustavo Santaolalla, junto al diseño sonoro de Nicolas Becker, ambos galardonados con Oscars, y la edición de Hervé Schneid, ganador al Premio César (Óscar Francés) realzan la narrativa. Luis Felipe Fernández-Salvador y Campodonico, también conocido como JAMAICANOPROBLEM, dirige, mientras que Chadi Abo nominado al Oscar por la película “The Cave” aporta su talento en efectos visuales, asegurando que «Lions of the Sea» sea una obra maestra cinematográfica.

Hollywood en Ecuador

La presencia de Hollywood en Ecuador eleva las producciones locales a niveles internacionales, destacando la capacidad del país para albergar grandes proyectos cinematográficos. «Lions of the Sea» contó con la participación de científicos destacados, algunos de ellos con el estatus científico “National Geographic at large”, garantizando un rodaje que respetó la integridad de las Islas Galápagos. Con su participación, los expertos aseguraron que el film sea un esfuerzo de conservación que subraye la urgencia de proteger la biodiversidad del archipiélago. La colaboración de estos científicos eleva la autenticidad de la obra y refuerza la narrativa de conservación ambiental que la campaña de la Fundación Identidad Nacional: ECUADOR, UN FENÓMENO ESTÉTICO busca transmitir al mundo.

Adam Leipzig, tras trabajar en la producción «Lions of the Sea», en sus declaraciones elogió a Ecuador como un destino fílmico emergente, destacando sus recursos naturales, humanos y su clima idóneo para rodajes. Ha sido un trabajo integral de la mano de Luis Felipe Fernández-Salvador y Campodonico (Jamaicanoproblem), director del film y la fuerza principal detrás de estos cinco productos que buscan promocionar a Ecuador en el mundo, con un enfoque en la conservación y las políticas ambientales del Amazonas, Los Andes, Costa del Pacífico y las Islas Galápagos. Además, Leipzig señaló que su experiencia en las Galápagos fue transformadora al compartir esta belleza y el potencial cinematográfico de Ecuador.

Otros proyectos de «Ecuador, Un fenómeno estético»

La serie de películas “A Son of Man”, “A Waking Dream”, y “Waorani: Guardians of the Amazon” han sido motores de desarrollo para Ecuador, creados gracias a la visión de Luis Felipe Fernández-Salvador, cuyas conexiones globales han sido fundamentales. A estas obras se suma “Lions of the Sea”, que, con su esperado estreno mundial en diciembre de 2024, busca destacar en festivales internacionales como Venecia y Cannes, así como en el Festival Millenium, respaldado por la ONU. Además, ha capturado el soporte del Parlamento Europeo, el patrocinio de figuras como Lady Monika Bacardi y Oliver Stone. La inclusión de Woody Harrelson y otras estrellas de Hollywood en «Bananaland», la próxima y última película de la campaña, marca un importante hito que culminará con una gran producción en la Costa Pacífica en 2025.

Durante la filmación de «Lions of the Sea», autoridades ecuatorianas, incluyendo los ministros de Cultura, Patrimonio y Ambiente, junto a delegados de la primera dama, de los ministros de Turismo, Economía, de la Mujer y Derechos Humanos, y la Rectora de la Universidad Casa Grande, se sumergieron en la experiencia cinematográfica en las Galápagos. Esta visita, lejos de ser formal, les permitió conocer de cerca el rebranding de la campaña «Ecuador, un fenómeno estético» y la producción en curso. La participación de las autoridades no fue solo como espectadores, pues se convirtieron en los primeros embajadores de la experiencia.

«Lions of the Sea» presentará una versión educativa de 20 minutos para concienciar sobre la conservación marina, integrando entrevistas con científicos a su narrativa. Diseñada para diversos niveles educativos, esta versión facilitará su uso en entornos académicos, estimulando debates sobre el medio ambiente y el cine.

Fundación Identidad Nacional y Luis Felipe Fernández-Salvador y Campodónico reiteran su compromiso con el avance de la industria cinematográfica en Ecuador, promoviendo una visión que celebra la espléndida naturaleza del país y estimula el turismo. La unión de esfuerzos con ONGs internacionales y empresas privadas nacionales e internacionales es fundamental para atraer recursos financieros, facilitando la implementación de proyectos que destacan a Ecuador en el panorama turístico, de inversión general y como destino cinematográfico internacional.

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Quito, 03 mar (La Calle).- Esta es, sin duda, una de mis películas favoritas del cine clásico de Hollywood. Corría el año de 1934 – específicamente el 22 de febrero – cuando se estrenó It happened one night (Sucedió una noche). Han pasado 90 años de esto, pero esta película es una clase maestra de qué hacer si piensas dirigir una comedia romántica.

Me gusta por tres razones: la historia de amor aparatosa entre sus protagonistas, la presencia de Clark Gable que es uno de mis actores favoritos de todos los tiempos (estuvo también en Lo que el viento se llevó (1939) y actuó con Grace Kelly o Marilyn Monroe, en la que fue la última película de ambos Los inadaptados (1961), falleció en noviembre de 1960 por un infarto) y que su persona hace de periodista, pero estos solo son detalles. El valor de la película reposa en su trama.

Habla del amor entre personas de distintas clases sociales – algo que ahora es normal en el cine, pero que en la década del 30 no existía – pero también del contexto por el que atravesaba los Estados Unidos en medio de la Gran Depresión. En medio de su viaje en autobús (la película también calificaría como de viajes), un niño se asusta cuando su madre se desmaya del hambre. El mismo viaje errante en autobús se había vuelto rutinario debido a que la gente se buscaba la vida en diferentes ciudades y estados debido a la crisis. La comedia de enredo era ese tipo de comedia que buscaba animar a los estadounidenses que sufrieron durante esa década.

El legado

La película fue tan buena que se convirtió en la primera película en ganar 5 premios Oscar más importantes en 1935 – los premios se entregaban desde 1929 – mejor película, dirección, actor, actriz y guion (original y adaptado). Además de mejor película, Frank Capra recibió el premio a la mejor dirección; Clark Gable, el Oscar al mejor actor; Claudette Colbert, el de mejor actriz; y Robert Riskin, el de mejor adaptado. Se basó en el relato Night Bus.

Como último dato, Clark Gable llegó a la película por una casualidad. Era una estrella consolidada de la Metro Goldwyn Mayer que lo castigó por su romance con Joan Crawford y sus quejas por el salario enviándolo a hacer una película en Columbia Pictures, un pequeño estudio por esa época. Claudette Colbert tampoco creía en el éxito de la película ni que iba a ganar el Oscar, por lo que no se presentó a recogerlo. La película empezó tímidamente en los cines, pero para las semanas siguientes, la gente llenaba los cines y lanzó la carrera de Frank Capra, le convirtió en el gran director por el que es recordado hasta ahora.

La película tiene una escena que causó revuelo en los años 30. Solo les diré que involucra la pierna de Colbert y el autoestop. Si quieren saber, deben verla.

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El actor Arnold Schwarzenegger se pronunció en X. «Carl Weathers siempre será una leyenda. Un extraordinario atleta, un fantástico actor y una gran persona. No podríamos haber hecho Depredador sin él y ciertamente no habríamos tenido momentos maravillosos haciéndola».

Sylvester Stallone también le envió una sentida despedida a su amigo en un vídeo. «Perdimos a una leyenda ayer. Mi vida cambió para siempre y para bien el día que conocí a Carl Weathers. Descansa en el poder y sigue golpeando».

¿Quién era Carl Weathers?

Nació el 14 de enero de 1948 en Nueva Orleans y desarrolló una carrera deportiva en el fútbol americano hasta 1974 cuando decidió retirarse de los Oakland Raiders en la liga profesional para perseguir su verdadero sueño: la actuación.

Sus dos primeras películas fueron Kung Fu y Friday Foster en 1975, pero quería llegar más allá. Hizo el casting para Rocky, pero los productores no querían escogerlo porque no era un actor famoso que pudiera generar taquilla. Entonces Weathers tuvo que recurrir a una pequeña (gran) mentira. Cuando le preguntaron si sabía boxear, él dijo que sí, que lo había hecho en pequeños clubes de Canadá, pero esto no era cierto. Le pidieron hacer la prueba, se imaginó en un ring y ejecutó movimientos como los que hacían pugilistas de aquella época, como Muhammad Ali. Impresionó y se quedó con el rol de Apollo Creed, aunque a él no le gustaba pelear.

El actor entendió que el papel de un intérprete es colocarse en los zapatos de un personaje que no hace necesariamente lo que él haría en la vida real. En la serie Chicago Justice (2017), donde interpretó al fiscal Mark Jefferies, amplió el concepto de ambigüedad del personaje.

«Es muy importante para mí que cada personaje que yo interpreto tenga ambigüedad. Porque sin eso, no podría ser un personaje. Nadie tiene una sola dimensión. Todas las personas tienen en la vida real tantos aspectos dependiendo de las circunstancias en las que ellos explican quiénes son en términos de su personaje», dijo en una entrevista en 2017.

Su último papel lo desarrolló de la mano de Disney en la serie The Mandalorian, donde actúa como Greef Karga, un exmagistrado y líder de un gremio de cazarrecompensas en el planeta Nevarro que contrata al mandaloriano para rastrear un activo valioso. (MIB)

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La Sociedad de la Nieve, del español J.A. Bayona tiene dos nominaciones y Barbie de Greta Gerwing recibió siete. A mucho les llamó la atención que ni Gerwing ni Margot Robbie tengan nominaciones por este filme. Ryan Gosling y America Ferrera compiten por mejor actor y actriz de reparto.

A continuación te contamos los nominados y dónde ver las películas:

Mejor Película

Oppenheimer (de alquiler en Flimin, Apple TV o Google películas)

Los que se quedan (se estrena la última semana de enero en los cines de Ecuador)

Pobres criaturas (se estrena la última semana de enero en los cines de Ecuador)

Los asesinos de la luna (de alquiler en Apple TV o Google películas)

Barbie (HBO Max)

American Fiction (se estrenará en cines proximamente)

Anatomía de una caída (de alquiler en Apple TV)

Zona de interés (proximamente en cines)

Vidas pasadas (de alquiler en Apple TV y Google películas)

Maestro (Netflix)

Mejor dirección

Christopher Nolan, por Oppenheimer

Martin Scorsese, por Los asesinos de la luna

Jonathan Glazer, por La zona de interés

Yorgos Lanthimos, por Pobres criaturas

Justine Triet, por Anatomía de una caída

Mejor actor

Paul Giamatti, por Los que se quedan

Cillian Murphy, por Oppenheimer

Bradley Cooper, por Maestro

Jeffrey Wright, por American Fiction

Colman Domingo, por Rustin

Mejor actriz

Lily Gladstone, por Los asesinos de la luna

Emma Stone, por Pobres criaturas

Sandra Hüller, por Anatomía de una caída

Carey Mulligan, por Maestro

Annette Bening, por Nyad

Mejor actor de reparto

Robert Downey Jr., por Oppenheimer

Ryan Gosling, por Barbie

Robert De Niro, por Los asesinos de la luna

Sterling K. Brown, por American Fiction

Mark Ruffalo, por Pobres criaturas

Mejor actriz de reparto

Da’Vine Joy Randolph, por Los que se quedan

Danielle Brooks, por El color púrpura

America Ferrera, por Barbie

Emily Blunt, por Oppenheimer

Jodie Foster, por Nyad

Mejor guión original

Mejor guion original

Los que se quedan

Vidas pasadas

Anatomía de una caída

Maestro

Secretos de un escándalo

Mejor guion adaptado

American Fiction

Pobres criaturas

Oppenheimer

Barbie

La zona de interés

Mejor fotografía

Oppenheimer

Pobres criaturas

Los asesinos de la luna

Maestro

El Conde

Mejor montaje

Oppenheimer

Los asesinos de la luna

Anatomía de una caída

Pobres criaturas

Los que se quedan

Mejor sonido

Oppenheimer

La zona de interés

Maestro

The Creator

Misión imposible: sentencia mortal – Parte 1

Mejor banda sonora

Oppenheimer

Los asesinos de la luna

Pobres criaturas

American Fiction

Indiana Jones y el dial del destino

Mejor diseño de producción

Pobres criaturas

Barbie

Oppenheimer

Los asesinos de la luna

Napoleón

Mejor vestuario

Pobres criaturas

Barbie

Los asesinos de la luna

Napoleón

Oppenheimer

Mejor vestuario y maquillaje

Maestro

Oppenheimer

Pobres criaturas

Golda

La sociedad de la nieve

Mejores efectos visuales

The Creator

Guardianes de la galaxia Vol. 3

Godzilla: Minus One

Napoleón

Misión imposible: sentencia mortal – Parte 1

Mejor canción

I’m Just Ken, en Barbie

What Was I Made For?, en Barbie

The Fire Inside, en Flamin Hot: La historia de los Cheetos picantes

It Never Went Away, en American Symphony

Whazhazhe, en Los los asesinos de la luna

Mejor película de animación

El chico y la garza

Spider-Man: Cruzando el multiverso

Nimona

Elemental

Robot Dreams

Mejor documental

20 días en Mariúpol

Bobi Wine: The people’s persident

La memoria infinita

Las cuatro hijas

To kill a tiger

Mejor película internacional

La zona de interés (Reino Unido)

La sociedad de la nieve (España)

Yo, capitán (Italia)

Sala de profesores (Alemania)

Perfect Days (Japón)

Mejor cortometraje de ficción

The after

Invincible

Knight of Fortune

Red, White and Blue

La maravillosa historia de Henry Sugar

Mejor cortometraje documental

The abcs of Book Banning

The Barber of Little Rock

Island in Between

The Last Repair Shop

Nai Nai and Wai Po

Mejor cortometraje de animación

Letter to a pig

Ninety-Five Senses

Our Uniform

Pachyderme

War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko

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La aeronave se estrelló en la Cordillera, a 70 km de Curicó en Chile y de 40 pasajeros y cinco miembros de la tripulación, solo sobrevivieron 16 personas durante 72 días en ese paraje hostil. El director español J.A. Bayona leyó el libro La Sociedad de la nieve de Pablo Vierci, basado en el relato de los supervivientes y decidió gestar un proyecto que resultaría en una película del mismo nombre.

¿Por qué ver este filme? Es una visión mucho más cercana de los que sucedió durante esos 72 días. Topa la importancia de recordar las voces de los que fallecieron en la nieve, por ello el narrador es Numa Turcatti, un amigo de los jugadores. Su narración pone una luz de empatía sobre lo que estaba sucediendo a la interna, la psiquis de los sobreviventes que se veían solos, únicamente rodeados de nieve y que, poco a poco, perdían las esperanzas de un rescate, de un milagro.

Un cast latinoamericano

También nos ofrece un elenco de actores uruguayos y argentinos. Bayona tomó una decisión importantísima al colocar intérpretes que hablen español y que muestren un retrato mucho más cercano a lo que sucedió. Algo que no pasa con la película de Hollywood, Viven (1993), que si bien también ofrece un relato desgarrador y de lucha por aferrarse a la vida, deja de lado otros temas.

Por ejemplo, el arriero Sergio Catalán, que montó a caballo por 10 horas para buscar ayuda no aparece en el filme de 1993, pero está en pantalla unos segundos en la Sociedad de la nieve porque su papel fue clave para poder iniciar las labores de rescate en la parte alta de la montaña.

El director también colocó el cameo de tres sobrevivientes. Nando Parrado que abre la puerta del aeropuerto a su hermana y madre en la ficción, que murieron en el accidente. Carlitos Páez que interpreta a su padre, que nunca se cansó de buscarlo y leyó los nombres de los que habían sobrevivido por la radio. Encontrando la grata sorpresa de que su hijo estaba con vida.

La película, que está en carrera para los Oscars, es el relato conmovedor de un suceso que se ha contado muchas veces, pero cada nueva versión muestra detalles que engrandecen el trasfondo oscuro de un relato que apela a la vida, la amistad y la fuerza por sobre todas las cosas. Ya lo dijo Numa antes de morir durante el sueño el 11 de diciembre de 1972. «No hay amor más grande que el que da la vida por sus amigos».

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La trama gira en torno a un grupo de burgueses que intentan cenar juntos, pero se ven interrumpidos una y otra vez por una serie de eventos extraños e inesperados. El premio Óscar fue un hito importante en la carrera de Buñuel y consolidó su estatus como uno de los directores más influyentes del cine mundial.

La película es conocida por su ingenioso sentido del humor, su crítica social y su estilo visual único. A través de la película Buñuel ofrece una aguda crítica a la hipocresía y la superficialidad de la clase burguesa. La película desafía las convenciones narrativas tradicionales y utiliza el absurdo para explorar temas profundos y complejos.

Repercusiones y legado en el cine

«El discreto encanto de la burguesía» es considerada una obra maestra del cine. Su critica a la burguesía y sus estereotipos, influyó en la cultura de ese entonces. Buñuel era conocido por desafiar las convenciones cinematográficas, por su enfoque innovador en la narrativa y la composición visual.

El filme cinematográfico utiliza movimientos de cámara, cortes de escenas y repeticiones de cuadros que resultan bastante llamativos para aquellos que no están familiarizados con la filmografía de este director o con el género en su totalidad. Además, la película ha sido elogiada por su originalidad y su capacidad para desafiar las normas establecidas.

Discreción tras ganar el Óscar

Después de ganar el premio, Buñuel expresó su agradecimiento y dijo que estaba contento de que una película tan inusual como la suya hubiera sido reconocida, aunque él mencionó que el Óscar no significaba “absolutamente nada”.

Luis Buñuel, quien en ese momento tenía 72 años, afirmó a los medios de comunicación mexicanos que no tenía ninguna duda de que su obra sería premiada: había pagado 25.000 dólares que costaba la victoria. Además, agregó que, si bien los estadounidenses a veces fallaban, no dejaban de cumplir su palabra. Al final, y pese a todo pronóstico, obtuvo la estatuilla.

Los medios de comunicación publicaron entonces el escándalo de que Buñuel había comprado el Óscar por dicha suma de dinero. El productor de la película Serge Silberman, entró en cólera por sus declaraciones. “Mais mon cher ami, era solo una broma”, fue la respuesta posterior de Buñuel.

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Quito, 08 ene (La Calle).- Los Globos de oro son la primera estación de la temporada de premios que culminará en marzo con la entrega de los Oscars. La película biográfica sobre el padre de la bomba atómica se alzó con cinco de los ocho premios a los que estaba dominado. Otra de las favoritas, Barbie solamente recibió los premios a la mejor canción y el mejor éxito de taquilla, una nueva categoría de los premios.

En el cine

Oppenheimer se llevó los premios a mejor película dramática, mejor banda sonora (Ludwing Göransson), mejor actor de drama (Cillian Murphy), mejor director (Christopher Nolan) y mejor actor de reparto (Robert Downey Jr.). Esto lo pone entre las favoritas para los premios Oscar de este año.

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El premio a la mejor actriz de reparto fue para Da’Vine Joy Randolph por Los que se quedan. El mejor guión fue para Justine Triet y Arthur Harari por la película francesa Anatomía de una caída, que también se llevó el premio a mejor película extranjera.

Para mejor película animada, la ganadora fue la japonesa El chico y la garza que le ha dado al director Hayao Miyazaki su primer Globo de oro. Emma Stone se llevó el premio a mejor actriz en comedia o musical por Pobres Criaturas, que también ganó a mejor película de comedia o musical. La mejor canción fue para What was I made for? de Billie Eilish para Barbie.

El mejor actor de comedia o musical fue para Paul Giamatti por Los que se quedan. Lily Gladstone se convirtió en la segunda mujer de raíces nativas americanas en ganar un globo de oro a la mejor actriz en un drama por Los asesinos de la luna.

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En la televisión

Como no podía ser de otra manera, la serie de HBO, Succession se alzó con varios globos de oro en las categorías por las que participaba. Mejor actriz en una serie de drama (Sarah Snook), mejor actor en una serie de drama (Kieran Culkin), mejor actor de reparto (Matthew Macfadyen).

The Bear también se llevó tres premios: mejor actor en una serie de comedia o musical (Jeremy Allen White), mejor actriz en una serie de comedia o musical (Ayo Edebiri) y mejor serie de comedia o musical. Beef también triunfó en la categoría de mejor miniserie o película para televisión, mejor actriz (Ali Wong) y mejor actor (Steven Yeun).

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La mejor actriz de reparto fue Elizabeth Debicki por su papel de Lady Diana en la quinta y sexta temporada de The Crown. Una nueva categoría fue la de mejor show de stand up que ganó Ricky Gervais por Ricky Gervais: Armageddon. Curiosamente, Gervais fue cinco veces presentador de estos premios que entrega a Asociación de prensa extranjera de Hollywood.

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Millones de espectadores hacían filas sin importar las bajas temperaturas a las que estaban expuestos, se prohibió en varios países y en las salas de cine, algunos vomitaban o se desmayaban por el susto. Con un presupuesto de USD 12 millones, recaudó la impresionante cifra de USD 441 millones.

El germen del mal

La película se gestó mucho antes de su estreno. En 1949, un estudiante de la Universidad de Georgetown, William Peter Blatty se interesó por el caso de un niño poseído, Ronald Edwin Hunkeler que fue exorcizado durante seis semanas hasta el 19 de abril de 1949. Le llevaría a Blatty casi dos décadas escribir la novela que se publicó en 1971. No pasó mucho tiempo para que el director William Friedkin (fallecido en agosto de 2023) se interesara por la historia y se pusiera al frente de la dirección. De guionista estaba, por supuesto, el propio Blatty.

A diferencia de los monstruos clásicos de la Universal entre los años 30 y 50, la propuesta de El exorcista se acercaba más al terror cotidiano, era un suceso que podía sucederte a ti o tus vecinos. Los demonios han formado parte de la cultura popular desde los comienzos del cristianismo y una fuerza que puede llegar a cualquier parte de acuerdo con las creencias de las personas.

“No es una película de vampiros o extraterrestres; es de gente que vive en tu calle” -explicó el director Friedkin-, “una calle que existe, en una ciudad que existe, en el que personas reales viven en una casa, en la que arriba, en el tercer piso, hay una pequeña niña, que está poseída por un demonio”.

La interpretación de Linda Blair

Lo que más resalta en la novela y la película es Reagan MacNeil, la niña poseída por el demonio Pazuzu, por lo que debe someterse a una serie de exorcismos. La película volvió famosa a Linda Blair, quien hizo una extraordinaria actuación, sin embargo, nunca pudo safarse del personaje que la lanzó al estrellato.

Su voz y los chillidos que lanza durante su transformación son unas de las cosas más importantes de su actuación, pero también las heridas que se mostraban en su cara, obra del maquillador Dick Smith. Según la historia real, el niño poseído tenía heridas en la cara y la palabra hell (infierno) escrita en su cuerpo.

A pesar de la preocupación de sus compañeros de reparto por las actuaciones y diálogos que no eran apropiados para su edad, Linda se tomaba con mucha seriedad y madurez su papel. “Mi religión es cristiana y nunca discutimos del diablo, por lo que para mí se trataba simplemente de un personaje ficticio, no era real”, indicó la actriz.

Dos imágenes fuertes y que pasaron a la historia del cine fueron cuando gira su cabeza 360 grados y la masturbación con un crucifijo.

Escenas memorables

La película hace un espeluznante manejo de la luz y sombras, un ejemplo es cuando el padre Merrin llega a la casa de Reagan en medio de una niebla terrorífica que denota el lugar a donde está llegando. Otra escena es la que no aparece en la versión original de 1973, pero si en el reestreno del 2000, donde Reagan baja las escaleras de espaldas al suelo apoyándose de sus manos y pies como una araña.

La empinada escalera de 75 escalones en la que muere el padre Karras, luego de lanzarse por la ventana tras liberar a Regan del demonio se volvió un lugar icónico y de culto para los fanáticos cuando visitan Georgetown. (MIB)

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Martin Scorsese (New York, 1942) nos ha contado historias de diverso tipo. Desde el ascenso y caída del boxeador Jake LaMotta en Toro Salvaje (1980) pasando por las rencillas de dos pandillas en tiempos de la guerra de secesión con Pandillas de Nueva York (2002) hasta el día a día de un excombatiente de Vietnam solitario y con problemas que se vuelve taxista y en Taxi Driver (1976).

Buenos Muchachos (1990) o El Irlandés (2019) en el universo de Scorsese conviven los tipos duros que no tienen miedo a morir y tampoco a matar, con los marginados, cuyos problemas y carencias los llevan a un vacío profundo, pero también los personajes históricos cuyas vidas alimentan una buena película.

Una historia real

Este es el caso de Asesinos de la luna (2023), este filme está basado en hechos reales y da cuenta del «reinado de terror», una serie de asesinatos entre 1921 y 1926 contra el pueblo nativo osage, pero también del nacimiento de la Oficina de Investigación conocida ahora como Oficina Federal de Investigación (FBI por sus siglas en inglés) en la solución organizada de crímenes en masa.

Es una película que habla de la lealtad y la confianza. Del vínculo familiar que Ernest Burkhardt (Leonardo DiCaprio) tiene con su tío William Hale (Robert de Niro) y cómo esta relación representa la desgracia del primero. Es también una película que nos narra, desde una perspectiva no invasiva y más cauta, la vida y costumbres del pueblo osage, a quienes los colonos obligaron a moverse a Territorio Indio (Kansas) durante entre los siglos XVIII y XIX. Allí, el gobierno les entrego esas tierras que creían inservibles hasta que en 1890, los nativos descubrieron que estaban llenas de petróleo.

Racismo y avaricia

Es un filme que nos cuenta también sobre la avaricia y el racismo ¿hasta qué punto las diferencias raciales pueden llevar a los colonos a ansiar el dinero de los osage y asesinarlos sin una pizca de vergüenza? Es algo que la película cuenta muy bien. Scorsese se preocupó en dar una mirada que no dañe o victimice al pueblo osage, pero no por ello deja de ser certera al hablar del agravio que sufrieron sus miembros, especialmente los 60 osage asesinados por los hombres blancos.

Con un reparto estelar, Scorsese recluta a sus dos favoritos, DiCaprio y De Niro, a los que acompañan, entre otros, Lily Gadstone (Mollie Kyle), Jesse Plemons (el investigador Tom White), Brendan Freaser (W.S. Hamilton) o Cara Jade Myers (Anna Brown). Los Asesinos de la luna está desde este 19 de octubre en las carteleras de cine de Ecuador. Pueden verla en formato IMAX para una experiencia más completa en Supercines. (MIB)

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Oppenheimer ganó siete premios en los Oscar 2024. Mejor película, mejor dirección, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora original. 

Los críticos de cine ya empezaban a darle el visto bueno a la nueva película de Christopher Nolan, lo que para mí era otra buena señal de que Oppenheimer prometía tanto en calidad de imagen como en el desarrollo de la historia. La primera fue la filmografía del director, cuyo trabajo ha sido siempre excepcional.

Y así fue. No recuerdo haber visto otra película tan larga después de Lo que el viento se llevó. Oppenheimer dura tres horas, unos 10 minutos más que Interestellar, pero cada minuto vale la pena.

Como algunos sabrán, la película trata sobre la vida del «padre de la bomba atómica», Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) y su trabajo en el plan Manhattan que desarrolló esta arma de destrucción masiva. También pasa por aspectos centrales del físico como la relación consigo mismo, su familia, el amor y sus actividades secretas.

De la trama se destacan tres puntos importantes: su aporte científico, sus dilemas morales y el control político de la ciencia. Está basada en el libro Prometeo americano: El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer de los historiadores Kai Bird y Martin J. Sherwin

El actor irlandés demuestra con creces la preparación que tuvo para meterse en la piel de un científico brillante, que llega a crear una gran invención y que después empieza a atormentarse por las consecuencias.

También destaca todo el impecable elenco a su lado. Robert Downey Jr., en el papel del almirante Lewis Strauss, Emily Blunt y Florence Pugh fungiendo como los intereses amorosos de Oppenheimer, Matt Damon como el general encargado del proyecto Manhattan y un listado de talentosos actores que incluye a Rami Malek, Jack Quaid o Tom Conti en el papel de Albert Einstein.

De la tecnología destaca la calidad de grabación, el film se grabó en película de 70mm. En físico se extiende durante casi 18 kilómetros y pesa 272 kilos. El mismo Nolan ha hablado de las ventajas.

«La nitidez, la claridad y la profundidad de la imagen son inigualables. Lo más destacado para mí es que al filmar en IMAX 70mm, realmente haces que la pantalla desaparezca. Obtienes una sensación de 3D sin necesidad de gafas. Tienes una pantalla enorme y estás llenando la visión periférica del público. Los estás sumergiendo en el mundo de la película».

Es recomendable verla en formato IMAX. Se les erizará la piel y la sentirán como si estuvieran allí mismo en los Álamos junto al físico y su equipo. Oppenheimer está disponible en los cines de Ecuador desde el 20 de julio y en Supercines para formato IMAX.

Esta noche fue actualizada el 10 de marzo de 2024 tras la entrega de los premios Oscar.

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El querido Quentin Tarantino publicó Meditaciones de Cine (2023), donde repasa varias películas que, según su visión, dejaron una huella en el cine de los 70. Estoy leyéndolo con mucha emoción, pero también echando un vistazo a los filmes. Empezaremos primero con Harry el Sucio (1971).

¿Por qué Dirty Harry dejó huella en el cine policíaco y nos mostró una nueva faceta en la carrera de Clint Eastwood? Hasta entonces, los polis de las películas se habían limitado a seguir las reglas. El brazo de la ley no puede transgredir ciertos límites, pero ¿qué sucede cuando te enfrentas a un asesino serial? Con esta película vemos el tipo de cine que pone al policía a perseguir al asesino serial, pero con giros graciosos y no solamente la crudeza de la persecución, el asesino lo pone a jugar su juego, pero también refleja algo cierto, la mediocridad de la policía al utilizar la ley para dejar libre al asesino sin respetar los derechos de las víctimas.

También nos muestra al poli duro que no pierde la compostura y la seriedad, a pesar de cierta violencia de los asesinatos que debe presenciar. Es un hombre con un objetivo, acabar con Escorpio y solo al final vemos si lo logra o no.

Visualmente, la paleta de colores de la película juega con el tiempo. En San Francisco, las mañanas son claras, mientras que la noche se pone oscura y espesa, pero poco importa, la hora, Escorpio acechaba y mataba en cualquier momento.

Eastwood sale del spaguetti western, donde estuvo con la trilogía del dólar para pasar a las películas de policía. El papel de hombre duro que nos ha dejado ver a lo largo de su carrera y que interpreta de una forma increíble.

Harry el sucio era el reflejo, donde los que fueron jóvenes en los años 50 en Estados Unidos podían mirarse. Harry Callahan era el justiciero que creía que si un asesino andaba suelto, debía morir. Con su magnum 44, les mostraba a ese grupo de gente lo que querían y que con la venida de la contracultura se había alejado: el modo de ser estadounidense, al menos el que los no tan jóvenes anhelaban.

Icónica es ya su línea en esta película (la serie se compone de cuatro filmes).

«Sé lo que estás pensando. Si disparé las seis balas o solo cinco. La verdad es que con todo este ajetreo también yo he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, el mejor revólver del mundo, capaz de volarte los sesos de un tiro, ¿no crees que debieras pensar que eres afortunado? ¿Verdad que sí, vago?»

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