Ruido afuera. Sonido puro adentro.

La nueva generación mejora todo lo que ya era bueno. El procesador QN3 trabaja siete veces más rápido que en el modelo anterior. Ahora, 12 micrófonos se ajustan en tiempo real para aislar ruidos molestos. ¿En el metro? ¿En un avión? ¿Caminando por una calle ruidosa? Todo desaparece.

Además, con la función Adaptive NC Optimiser, los audífonos se adaptan a tu entorno, incluso si cambia la presión del aire o el tipo de ruido. Es como tener un ingeniero de sonido invisible contigo.

Música como fue pensada: en alta fidelidad

Sony trabajó codo a codo con ingenieros de masterización que han producido para Ed Sheeran, Rihanna, Lady Gaga y Bob Dylan. El resultado: sonido estudio real, con cada nota tal como la pensó el artista.

¿Te gusta lo Hi-Res? El códec LDAC te entrega audio de alta resolución por Bluetooth. Y si sos gamer o cinéfilo, el modo 360 Reality Audio Upmix y el Game EQ llevan tus juegos o películas a otra dimensión.

Llamadas claras, incluso en el caos

Los WH-1000XM6 tienen seis micrófonos con tecnología beamforming e inteligencia artificial. ¿Resultado? Tu voz se escucha clara aunque estés en un bar lleno de ruido.

Cómodos de verdad

Nueva diadema ancha. Cuero vegano. Almohadillas suaves. Diseño plegable con estuche magnético. Podés usarlos todo el día sin sentir presión. Son elegantes, cómodos y fáciles de llevar.

Inteligentes como vos

Cambian entre dispositivos automáticamente. Son compatibles con LE Audio y Auracast, se cargan rápido (3 minutos = 3 horas) y funcionan mientras los cargás. No te desconectan nunca.

Post Malone los ama

El embajador de la campaña es nada menos que Post Malone, ícono de la música global. En sus palabras:

“Estos audífonos te hacen sentir completamente dentro de la música.”

Más sostenibles

Cero plásticos en el empaque. Todo el cartón es reciclado o proveniente de materiales sostenibles como bambú o caña de azúcar. Tecnología con conciencia.

¿Cuánto cuestan? Sony aún no ha revelado el precio oficial, pero se espera que se sitúe en el rango de $400 a $450 USD. Estarán disponibles en negro, plateado y azul medianoche.

¿Vale la pena?

Si buscás lo mejor en audio, diseño y funciones inteligentes, los WH-1000XM6 son, sin duda, uno de los lanzamientos más fuertes del año.

Porque no es solo lo que escuchás. Es cómo lo escuchás.

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Hasta el momento no se ha revelado la causa del deceso, aunque la cantante enfrentaba problemas de salud que la llevaron a reducir sus presentaciones en los últimos años.

Con una carrera de más de cuatro décadas, Paquita la del Barrio se consolidó como un símbolo de la música popular mexicana. Sus letras, cargadas de desamor y denuncia contra la infidelidad y el maltrato, conectaron con el público y la convirtieron en una referente de la música ranchera. A pesar de su fuerte mensaje en defensa de las mujeres, nunca se autodenominó feminista, pero sí una voz que expresaba el sentir de muchas. Su interpretación apasionada y su característico «¿Me estás oyendo, inútil?», de la célebre canción Rata de dos patas, se transformaron en un himno de empoderamiento femenino.

Su historia

Paquita la del Barrio nació el 2 de abril de 1947 en Alto Lucero, Veracruz. Desde temprana edad mostró su pasión por la música, participando en festivales escolares y soñando con una carrera artística. Sin embargo, las dificultades económicas la obligaron a abandonar la escuela tras completar la educación primaria. A los 16 años comenzó a trabajar en el gobierno municipal, donde conoció a su primer esposo, Miguel Gerardo, 30 años mayor que ella. La relación estuvo marcada por el maltrato y la desilusión al descubrir que él ya estaba casado.

Tras dejar esta relación, Paquita y su hermana Viola emigraron a la Ciudad de México en busca de oportunidades en la música. Juntas formaron el dueto Las Golondrinas, un primer paso en una trayectoria que la llevaría a convertirse en una de las más queridas exponentes de la canción ranchera. Su estilo inconfundible y su entrega en el escenario la hicieron trascender generaciones, dejando una huella imborrable en la cultura popular mexicana.

El fallecimiento de Paquita la del Barrio deja de luto al mundo de la música, que despide a una artista cuya voz y legado seguirán vivos en las memorias de su público.

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Con un videoclip alucinante que te dejará pensando, Don Bolo nos invita a cuestionar el mundo que nos rodea y a desconfiar de aquellos que buscan manipularnos.

Además de ser unos músicos increíbles, Don Bolo son unos activistas que usan su música para generar conciencia social. Con «Jihad», nos advierten sobre los peligros del fanatismo y la importancia de pensar por nosotros mismos.

¡No te pierdas esta joya musical! Busca «Jihad» de Don Bolo en tu plataforma de streaming favorita y prepárate para una experiencia única.¿Quieres saber más sobre Don Bolo? Síguelos en sus redes sociales y no te pierdas nada de lo que están preparando. ¡Este año vienen con todo!

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¿Qué te espera? ¡Un montón de cosas increíbles!

• Mentorías: Aprende de las mejores profesionales de la industria musical de Iberoamérica.
• Showcases: Disfruta de conciertos de talentosas mujeres ecuatorianas.
• Conversatorio: Charla con mujeres que la están rompiendo en el mundo del arte y la cultura.
• Networking: Conoce a otras mujeres apasionadas por la música y crea redes.

¿Cuándo y dónde?

• Martes 10 de septiembre, 17h30: Alianza Francesa. ¡Conversatorio de lujo!
• Miércoles 11 y jueves 12 de septiembre, 14h00: Universidad de las Américas (UDLA). ¡Talleres, showcases y mucho más!

¿Por qué es importante? Porque es hora de que las mujeres tengan las mismas oportunidades en la industria musical. Juntas Sonamos busca empoderar, visibilizar y crear un espacio seguro para que todas podamos desarrollarnos al máximo.

¡No te lo pierdas! ¡Sigue las redes de Sonidas y entérate de todos los detalles!

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La noticia fue confirmada por su familia el pasado miércoles 28 de febrero a través de un comunicado en Instagram, en donde destacaron su valiente lucha contra el cáncer.

En su último acto de amor y previsión, Cat dejó a su hijo todas sus canciones, incluida la mencionada ‘Dance you outta my head’, con el objetivo de proporcionarle seguridad económica en caso de su fallecimiento. Su hermano, conocido como Cubby, anunció su trágica muerte en Instagram, agradeciendo el apoyo y amor recibido en los últimos meses.

«Cat vio cómo su música llegaba a lugares que nunca esperó y descansa en paz al saber que seguirá manteniendo a su hijo a través de sus temas. Esto no hubiera sido posible sin todos ustedes», añadía el comunicado, reflejando la gratitud de la familia Janice hacia los seguidores y simpatizantes de la talentosa artista.

¿Quién era Cat Janice?

Cat Janice, de 31 años y oriunda de Washington, Estados Unidos, saltó a la fama en 2022 cuando una canción dedicada a su hijo se volvió viral en TikTok. Su vida tomó un giro inesperado cuando le diagnosticaron un sarcoma, un tipo de cáncer que afecta huesos y tejidos musculares. Tras un intenso tratamiento, superó la enfermedad, pero en 2024 anunció a sus seguidores que enfrentaba una recaída, esta vez con un diagnóstico más complicado.

Además, las canciones que Cat no logró compartir en vida serán difundidas por su hermano Cubby, quien asumirá la responsabilidad de administrar todos los detalles relacionados con la carrera de la querida intérprete.

Las redes sociales se han llenado de mensajes de condolencia y admiración hacia la valentía de Cat Janice, quien, a través de su música, dejó un impacto significativo en la vida de sus seguidores y aseguró el futuro de su hijo con un acto de amor que trasciende más allá de su tiempo en este mundo.

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10. Peggy Gou – (It goes like) Nanana

El exitoso sencillo de la DJ y productora Peggy Gou es un retroceso a la era de la música house que tenía guitarras punzantes y pianos urgentes. Obtiene su condición de irresistible de su coro sin palabras, que resume la sensación indescriptible de estar entre seres queridos con unas pocas sílabas dispuestas en una melodía que es simple pero inolvidable. Al igual que otros momentos marcados por energía positiva y buena gente.

9. Gina Birch – I play my bass loud

La pionera del post-punk, Gina Birch, fue miembro de The Raincoats, una banda querida por Kur Cobain que veía en el espíritu punk, un espíritu alegre. La canción principal de su debut en solitario, que llega 44 años después del primer álbum de su antigua banda, canaliza esa exuberancia en una vertiginosa declaración de sí misma. También en una celebración a todo pulmón del instrumento elegido por Birch. Es una invitación convincente para que cualquiera que escuche haga, como ella dice, “las notas vuelan por la habitación”.

8. Miranda Lambert ft. Leon Bridges – If you were mine

Los tejanos Miranda Lambert y Leon Bridges se unen en este dulce y anhelante dúo, que combina el agudo susurro de la cantante de country con el canturreo aterciopelado del cantante de soul sobre pedales de acero y órganos zumbantes. Esperamos que este sea el comienzo de una asociación fructífera, porque Lambert y Bridges tienen una química que es evidente en todo momento, particularmente al final de la canción, cuando los dos tienen un encantador intercambio que muestra cuán artísticamente en sintonía están entre sí.

7. English Teacher – Nearly Daffodils

Uno de los nuevos actos independientes más emocionantes de la década, este cuarteto de Leeds interpreta canciones finas que se centran en las observaciones sardónicas de la líder Lily Fontaine sobre la vida moderna. Esta rápida pista sobre expectativas frustradas y frustraciones reprimidas tiene versos inquietos, con Fontaine apretando audiblemente los dientes, pero su estribillo es contundente.

6. Fall Out Boy – So Much (For) Stardust”

El último álbum de Fall Out Boy encuentra al cuarteto de pop-punk, cuyo álbum debut Take This To Your Grave cumplió 20 años este año, combinando un pop colosal y hambriento con una introspección que acompaña al período de la edad adulta que ya no puede modificarse con la palabra «joven». Es un viaje fantástico, pero su canción principal, que también cierra el disco, es absolutamente increíble, combina florituras orquestales con expresiones de desilusión que se sienten tan abarcadoras como los sonidos de pared a pared de la canción.

5. Kylie Minogue – Padam, Padam

¿Convertir los latidos del corazón en ritmos listos para discotecas es lo que hace todo el dance-pop? Tal vez, pero pocas lo hacen mejor que Kylie Minogue, cuya dilatada carrera ha brindado a DJs y boogiers de dormitorio una gran cantidad de oportunidades para sincronizarse. Aquí, la voz soprano plateada de Minogue la transforma en una diva helada que se ha comprometido a fundirse potencialmente junto a otro habitante de la pista de baile.

4. Peso Pluma y Eslabón Armado – Ella baila sola

Este dueto entre el peso pesado de la música mexicana Peso Pluma y la banda californiana Eslabon Armado hizo historia en las listas este año, alcanzando el puesto número 5 en el Hot 100 de la Billboard y convirtiéndose en la primera canción de este tipo en alcanzar el top 10 de esa lista. También es una canción fantástica, comenzando con metales contundentes y finalmente asentándose en un ritmo nítidamente optimista, con Pluma y el vocalista de Eslabón Armado, Pedro Tovar, trazando la seducción en la pista de baile mientras la banda sigue tocando.

3. Beyoncé – My house

Lanzado por sorpresa junto con el debut en cines de Renaissance: A Film By Beyoncé , este emocionante corte aprovecha la energía fabulosa y los ritmos pesados del álbum de Beyoncé de 2022 y la gira posterior que rinde homenaje al potencial liberador de los clubes de baile ; se divide en dos, con su estridente primera mitad dando paso a una sección todavía bulliciosa donde la cantante y magnate avanza lentamente y finalmente declara su intención de «dejar que el amor nos sane a todos».

2. Victoria Monét – On my mama

La oda al amor propio de la cantautora de R&B Victoria Monét combina vibraciones de la vieja escuela y fanfarronería de la nueva escuela, con la voz fría de Monét que refuerza la confianza que la hace sentir «deep in my bag/ like a grandma with a peppermint.” Por sí solo, ese giro de la frase colocaría a “On My Mama” en los niveles más altos del pop del año; Los vientos secos de la canción y el bajo suavemente burbujeante la llevan a la cima de la clase.

1. Olivia Rodrigo – Bad idea, right?

Canalizando el lado más picante del rock alternativo de los 90, este sencillo de GUTS de Olivia Rodrigo, se envuelve en tensión, desde sus versos cantados hasta las vertiginosas guitarras de su pre-estribillo y la forma en que Rodrigo intenta convencerse a sí misma de que ver a su ex “es mala idea, ¿verdad?” antes de dejar la precaución al viento y ceder a sus impulsos. Su producción salvaje hace eco de la vorágine de sentimientos que rodearon la decisión de Rodrigo de dirigirse a la casa de un amor pasado, y también suena genial, haciendo que «Bad idea, right?» un atractivo regalo para los oídos incluso para los oyentes más tranquilos.

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En esta ocasión te quiero invitar a navegar por este mar de palabras que Ismael Serrano nos ha arrojado, en el que dos almas se ahogan en su propio pantano emocional.

¿Acaso no es el amor, ese fenómeno que todos buscan pero que pocos entienden realmente? ¿Ese que nos atrapa en sus laberintos y nos hace danzar entre la pasión y el tedio?

¿Por qué, te preguntarás, embarcarse en un naufragio de desamor? Bueno, es el pan nuestro de cada día. Y es más entretenido que seguir analizando el tema electoral o leer el último libro de autoayuda que compraste, admitámoslo.

Así que sumérgete conmigo en esta canción de Ismael Serrano y descubre un espejo de nuestra tragicómica existencia.

Volar y caer en la rutina: La eterna paradoja de ese monstruo llamado aburrimiento

El Principito nos decía: «Lo esencial es invisible a los ojos» (me imagino que sí lo leíste alguna vez). Pero, ¡vaya! Con el tiempo, incluso lo esencial parece opacarse. La canción nos lleva a la escena de madrugada encerrados en un coche, en una calle sin luz, una calle sin nombre, donde dos amantes se descubren atrapados en el bucle eterno del «ya te he visto desnudo demasiadas veces». ¿Y ahora qué?

Ahí están los amantes, en la canción, soñando con atar bandadas de gorriones a sus muñecas, pero encerrados en ese coche, que no es más que el vehículo de su propia desdicha. Su vida estancada, su rutina monótona, es ese automóvil sin gasolina, batería ni GPS. ¿Quién no ha sentido eso alguna vez? A ver, si no, ven y dímelo, que te invitaré un café solo para que me mientas en la cara.

Pero bueno, como buenos humanos que somos, cortamos las cuerdas y caemos al abismo de la rutina. ¡Bravo por nosotros! Como si no pudiéramos resistirnos a una caída libre después de un corto vuelo.

Mentiras Cotidianas: ¿Soñar o Despertar?

Entonces viene la propuesta del escape, nuevamente evocando al «Principito». Ismael Serrano nos sugiere atar bandadas de gorriones a nuestras muñecas para huir lejos de aquí a otro planeta. Pero, ¡oh sorpresa!, ni con un ejército de gorriones logramos abandonar nuestras ataduras. Porque el miedo, ese maldito entrometido, siempre vuelve. El miedo a lo desconocido, a la soledad, a cambiar el canal de TV y descubrir que, pese a todo, todos los programas son igual de malos. ¡Qué irónico! Buscamos paisajes lejanos, soñando con el oasis, pero terminamos en el mismo sofá, mirando el mismo programa de talentos o de cocina.

Aunque podrías intentar escuchar Rompecabezas. Su música y poesía nos invitan a salir de la caverna de Platón.

El Verdadero Fantasma: El Miedo

He conocido muchas mentiras en mi vida, algunas incluso han salido de mi propia boca, para qué te voy a mentir. Pero la canción nos da un ejemplo crudo: manos llenas de falsedades y ojos que pasan de ser eclipses a convertirse en pozos oscuros. ¿Por qué nos mentimos? ¿Por miedo? ¿Por conveniencia? O tal vez, en un intento patético de prolongar lo que ya está muerto. Y sí, te estoy mirando a ti, último pedazo de tarta en el refrigerador.

Y aquí, querido masoquista del amor, llegamos al meollo. Decidimos cortar esas cuerdas, ya no de los gorriones, sino de nuestros propios sueños. Y nos convertimos en los espectros que siempre hemos sido, arrastrando cadenas, sonrisas de plástico y recuerdos de amores que ahora parecen chistes mal contados. El desamor, en toda su gloria despechada, se convierte en el epítome del absurdo existencial. ¿No es hermosamente trágico?

Somos seres que anhelan. Aun en medio del desamor, del desencanto, gritamos al viento «no te vayas nunca», “yo también te quiero”. Pero, ¿qué es realmente lo que no queremos que se vaya? ¿El amor? ¿La compañía? ¿O es el miedo a la soledad? Ese miedo que nos paraliza y nos hace conformarnos con menos. ¡Maldita sea! Si Aristóteles estuviera aquí, se tomaría un café conmigo (porque licor no puedo) y discutiríamos esto toda la noche.

Una Sonrisa de Látex: Porque Todo Buen Delirio Tiene Uno

Al final, todos nos escondemos detrás de sonrisas pegadas con imperdibles o “Brujita”, ¿verdad? Porque, después de todo, ¿quién quiere admitir que está roto? «Un Muerto Encierras» no es solo una oda al desamor o a la rutina. Es una mirada al espejo del alma humana, ese reflejo que a menudo evitamos porque nos recuerda que estamos hechos de contradicciones, miedos y sueños rotos.

Pero aquí hay una reflexión final, mi querido amigo lector: en la autenticidad yace la verdadera belleza. Así que, por una vez, déjate llevar, sé vulnerable y, quizás, solo quizás, descubrirás que la vida, con todos sus altibajos, merece ser vivida con pasión.

Así que la próxima vez que sientas que estás encerrado en ese coche, estancado en una calle sin nombre, recuerda: siempre hay un gorrión esperando ser atado para llevarte a otro planeta, y un Principito dentro de ti listo para volar. Solo tienes que atreverte. Y si no lo haces, al menos ponte una buena canción de fondo. La vida es demasiado corta para malas melodías.

Ahora, te dejo con una tarea: vive, ama, equivócate (como cuando votas), ríe y, sobre todo, cuestiona, olvídate del desamor. Porque, como decía un viejo filósofo, «una vida que no se cuestiona, no merece ser vivida.»

DP

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Quito, 01 oct (La Calle).- En 1955, Francisco J. Feraud quiso regrabar el vals Fatalidad para su disquera Onix, pero se encontró con los altos costes que implicaba tener a Olimpo Cárdenas, cantante que estaba triunfando en Colombia. La única solución era buscar una voz que se pareciera a la de Olimpo.

El destacado requintista Rosalino Quintero sugirió al hermano de ‘Pepe’ Jaramillo. En ese entonces había grabado dos duetos con Fresia Saavedra, pero aún seguía siendo un desconocido. Quintero dijo «yo conozco a un negrito que canta bonito». Francisco le pidió a Julio Jaramillo que imitara lo más que pudiera a Cardenas. El joven muy resuelto le contestó: Yo no lo voy a imitar, don Panchito, lo voy a superar. La sorpresa de Feraud fue inmediata, pero después de escucharlo se dio cuenta que ahí estaba una gran estrella.

El ruiseñor de América

Julio Jaramillo tenía a su favor una voz suave, sentimental que reflejaba el lamento de sus canciones. En una región que en los años cincuenta y sesenta escuchaba boleros, valses, tangos y pasillos, JJ supo interpretarlos y también combinarlos para que su música saliera de las fronteras de Ecuador. Paradójicamente no grabó tantos pasillos como boleros o valses que siempre estuvieron en la mira de su repertorio. Se estima que grabó entre 1.000 y 1.200 canciones en su carrera.

La radio se había extendido en su uso desde la década de 1930 y era un medio central en los hogares latinoamericanos. Julio Jaramillo sonaba en los transistores de Ecuador, Colombia, Argentina, México, entre otros países de la región. La música popular se escuchaba tanto en las ciudades como e el área rural. No era para menos si el ‘ruiseñor’ había nacido de las entrañas del pueblo y sintonizaba con ellos a través de la música.

Éxito internacional

De Fatalidad se vendieron alrededor de 7.000 copias en una semana y se tuvo que reimprimir. A finales de 1956 ya había grabado una docena de temas con Ónix. Entre ellas están: Te odio y te quiero, Hojas muertas, Elsa y Carnaval de la vida.

Pero la canción que lo volvió internacional fue Nuestro Juramento compuesta por el puertorriqueño Benito de Jesús, que Rosalino Quintero transformó sabiamente en bolero. Después de su lanzamiento se embarcó en una gira por América Latina. Vivió un tiempo en México donde aún hoy es querido y reconocido.

Vida personal

Un artista de la talla de JJ no se vio librado de los excesos y las noches de parranda. Esas juergas que empezaron desde su juventud en los inicios de su carrera, se extendieron cuando ya era un cantante de talla internacional.

Se lo tenía por un bohemio, pero además tenía muy buena suerte con las mujeres. Conquistador nato, dejó varios amores en toda América Latina, pero además tuvo 27 hijos. Así lo dijo en una entrevista en 1976 con diario El Universo.

De ellos el más conocido es Julio Jaramillo Arroyo, hijo de su segundo matrimonio y quién interpretó a su padre en una miniserie estrenada en 2008.

Julio Jaramillo Sánchez es hijo de su primer matrimonio y padre de Christian Jaramillo, nieto del ‘ruiseñor’ y que ha seguido sus pasos en la música.

Día del Pasillo ecuatoriano

En 1993 durante el gobierno de Sixto Durán Ballén, se declaró por decreto ejecutivo al 1 de octubre como el día del Pasillo Ecuatoriano, en honor al nacimiento de uno de sus mayores exponentes: Julio Alfredo Jaramillo Laurido.

El 17 de octubre de 2012, El Ministerio Coordinador de Patrimonio, el Ministerio de Cultura y el Instituto Nacional de Patrimonio Nacional, iniciaron el proceso para declarar al pasillo como ‘Patrimonio cultural del Ecuador’, por considerar que es la música que identifica a los ecuatorianos.

En diciembre del 2021, el pasillo ecuatoriano entró en las lista de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, según la UNESCO.

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El Eco del Recuerdo: Navegando entre el Anhelo y la Melancolía.

El recuerdo, ese espejismo caprichoso que juega con nuestra psique, está en el centro de esta obra maestra. Aznar, con un temor casi palpable, se enfrenta a esos ecos del pasado que, en la soledad del presente, se magnifican hasta volverse insoportables. El anhelo, representado como una hoguera interior, es amenazado constantemente por la espera, como si cada segundo sin ese amor fuese una eternidad.

La metáfora de «la casita» va más allá de un simple espacio físico. Es un santuario de emociones y recuerdos, una morada interna que se desestabiliza ante la ausencia del ser amado. Imaginemos, por un momento, un hogar donde cada objeto, cada rincón, evoca momentos pasados, sonrisas compartidas, promesas hechas y, eventualmente, promesas rotas. Es un espacio que, en su desorden emocional, clama por un regreso, por una sanación.

La Puerta del Bar y el Tango: Metáforas de un Amor Inquebrantable.

Y luego, emerge el tango. Ese género que, en su esencia, encapsula la pasión y el dolor. El tango, para el autor, es un refugio, un medio donde puede ver reflejadas sus propias luchas amorosas. Pero el estar «atado a un querer» en la puerta de un bar va más allá de una simple imagen. Es la representación de un amor que, por más tortuoso que sea, resulta ser inescapable, un lazo que, por más que se intente cortar, se aferra con firmeza al alma.

La universalidad de «Voces De Tango» radica en su habilidad para capturar sentimientos que, en algún punto de nuestras vidas, todos hemos experimentado. Es un himno a la condición humana, un recordatorio de que el amor, con sus altos y bajos, es el viaje más complejo y gratificante que podemos emprender.

Este viaje, como describe, no es lineal. Es un constante vaivén entre la esperanza y el desespero, entre la añoranza de momentos dorados y la confrontación con un presente solitario. Las melodías que acompañan esta letra refuerzan aún más esta sensación: un baile eterno entre la dulzura del recuerdo y la amargura de la pérdida.

Mencionar la puerta de un bar es, en cierta medida, abrir una ventana a esos lugares comunes donde la gente busca consuelo, donde las historias se entrecruzan y donde, con frecuencia, las confidencias se derraman en el mostrador con la esperanza de encontrar un poco de alivio. Estar «atado a un querer» en ese contexto refleja esa universalidad del amor que puede encontrarse en cualquier rincón, y a la vez, la dificultad de escapar de sus garras, incluso en un espacio público.

Más Allá de la Música: Un Homenage a la Resiliencia del Espíritu Humano.

El poder de la interpretación de Bunbury radica en su habilidad para sumergirnos en un océano de sentimientos contradictorios, llevándonos al borde de la desesperación para luego mostrarnos un atisbo de esperanza. Es un recordatorio de que el amor, por más doloroso que pueda ser, también es la fuerza más poderosa y transformadora con la que contamos.

Para concluir, «Voces De Tango» no es solo un tributo al amor perdido o al recuerdo que atormenta, es también un himno a la resiliencia del espíritu humano. A través de sus líneas nostálgicas y evocadoras, tanto el compositor, como el intérprete nos invita a confrontar nuestros propios fantasmas, a bailar al ritmo de nuestros recuerdos y, en última instancia, a abrazar la complejidad de nuestras emociones, encontrando belleza incluso en la más profunda melancolía.

DP

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Te recuerdo Amanda
La calle mojada
Corriendo a la fábrica
Donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha
La lluvia en el pelo
No importaba nada
Ibas a encontrarte con él
Con él, con él, con él, con él, con él
Te recuerdo Amanda - Víctor Jara

Tuvieron que pasar 50 años para que los asesinos del cantautor chileno Víctor Jara tuvieran una sentencia en firme y fueran a la prisión. Sus edades oscilan entre los 76 y 82 años. Víctor no logró llegar allí, sólo tenía 41 años cuando lo encerraron, golpearon, torturaron y asesinaron en el Estadio Chile. Tras el golpe, la dictadura prohibió la circulación y el consumo de cantautores considerado como comunistas, es decir, los representantes de la nueva canción chilena. Víctor Jara, Violeta Parra y Quilapayún están en una lista negra, prohibidos en la radio y también prohibido era distribuir sus discos.

Esto no solo limitó el acceso a la cultura sino la manera de ser de la juventud chilena que había creado sus formas alrededor de la música folklórica, la moda, la educación, una sexualidad más abierta y hasta la manera de llevar el cabello y la barba. Características que en la dictadura pinochetista estaban restringidas.

La nueva voz en los 80

Con la represión y las limitaciones apareció la respuesta a las acciones del gobierno. Una ola de bandas chilenas aparecieron en el escenario de los años 80 pregonando su inconformidad por los preceptos de la dictadura chilena.

Uno de esos grupos es Los Prisioneros, quienes en esta canción de 1984 y con el pop/ rock apelan a la figura del cambio de época y llaman a los jóvenes a despertarse y poner en práctica la fuerza del cambio.

Por otra parte, Aparato raro usó el new wave para contar lo que pasaba en su país en una crítica contra los militares golpistas, pero también contra los militantes opositores que mostraban una disconformidad de la juventud con la forma cómo se hacían las cosas.

Otro grupo que surgió en esa década fueron los Pinochet boys, una sátira en referencia a la generación juvenil que tuvo que crecer en dictatura. «Para cualquiera que haya estado haciendo música en los años ochenta era difícil no ser punk, con tanta represión encima», dijo en una entrevista Iván Conejeros, fundador del grupo.

La precarización de la vida

Las letras del nuevo pop chileno no solo atacaban a la represión, también cuestionaban el feroz plan neoliberal que lideraba Pinochet y cómo la brecha entre clases se recrudeció aún más.

Con el uso de la ironía, Los Prisioneros en canciones como Lo estamos pasando muy bien o Muevan las industrias, relataban estos abusos. Un sistema permitía a las personas de clase media-alta y alta darse lujos materiales sin importar que el país estuviera sumido en una crisis de represión que afectaba directamente a sectores vulnerables. A ello se suman las nulas oportunidades que Pinochet dejó para acceder a la Universidad. La educación superior fue gratuita hasta 1981 cuando el régimen decidió permitir la aparición de más universidades privadas y bajar el aporte estatal a las públicas. Esto se escucha en la canción de El baile de los que sobran.

Las expresiones que criticaban a la dictadura y al modelo de vida impuesto a los chilenos dentro de la música siempre se escribieron de manera irónica, metafórica o sin ser demasiado obvias en sus pronunciamientos. Fue una de las estrategias del Nuevo Pop Chileno para evitar la censura a la que se encontraban sometidos por parte del gobierno. (MIB)

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Guayaquil de mis amores – dúo Ecuador / Julio Jaramillo

La historia cuenta que Nicasio Safadi comentó al poeta Lauro Dávila que le gustaría hacerle una canción a Guayaquil. Entonces, durante un paseo por el Malecón de Guayaquil, Safadi le entrega la melodía al poeta orense, quien escribe ‘Guayaquil de mis amores’. La canción fue grabada por primera vez en Nueva York por el Dúo Ecuador (Ibáñez-Safadi), en 1929.

Safadi era libanés, pero el doctor Isidro Ayora, por su contribución artística, lo nacionalizó ecuatoriano. Esa emoción le llevó a musicalizar y crear está preciosa canción.

Pero se popularizó en la voz de su hijo pródigo, el ‘ruiseñor de América’, Julio Jaramillo.

Guayaquileña – Julio Jaramillo

En sus idas y venidas a Venezuela, Julio Jaramillo conoce a una chica y le escribe Caraqueñita, que luego transformaría en Guayaquileña, que grabó en 1970.

«Bueno, cuando yo tuve la oportunidad de escribir esta canción, la escribí justamente llamándola como Caraqueñita y precisamente porque fue escrita para una chica caraqueña», declaró en su momento el cantante.

Guayaquileño – Pepe Jaramillo/ Carlos Rubira Infante

Rubira Infante escribió «Guayaquileño, madera de guerrero» en 1948 mientras se hallaba en la ciudad de Quito, enseñando música a un coro. La canción surgió de una conversación entre él y sus alumnos, mientras improvisaba.

Según Rubira, la canción recoge el sentimiento y rebeldía del pueblo. La canción se ha usado para toda clase de eventos cívicos, como himno de Guayaquil, mas también para fines propagandísticos y políticos.

Esta versión está en la voz de Pepe Jaramillo.

Guayaquil Ticy – Lolabúm

Es la novena canción del disco debut de Lolabúm, «El cielo», que salió en 2016. A simple vista, puede que este tema hable sobre las incomodidades de tener que irse a una ciudad de la Costa cuando eres serrano, pero puede que también tenga un significado más profundo.

Guayaquil City – Mano negra

La undécima canción del disco «Puta’s Fever», de Mano Negra, la banda de Manu Chao, ya tiene casi 30 años desde que salió. Tanto el álbum como la canción se publicaron en 1989. Ésta fue compuesta por Manu Chao tras su paso por la ciudad.Con esta canción, la banda francesa logró captar la esencia de la ciudad. Las letras empiezan diciendo «Guayaquil City va a reventar, tanto calor no se puede aguantar», lo que no resulta raro, pues cada extranjero que pasa por la ciudad hace eco de las altas temperaturas.

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“El pasado viernes 21 de julio tuve la reunión. Me reuní con empresarios privados que tienen la intención de hacer el concierto Lollapalooza. La idea es que Quito se meta en el circuito. Uno de los debates fue el tema de consumo responsable”, dijo el acalde en su programa Frecuencia Quiteña.

No obstante, la iniciativa todavía es una ilusión. “Veamos más adelante, es una iniciativa privada. Lo que este a nuestro alcance lo pondremos a disposición”, expresó el burgomaestre.

¿Qué es el Lollapalooza?

El Lollapalooza es un festival musical de bandas de indie, alrnativo y punk rock. Lo inició en 1991  Perry Farrell, cantante de Jane’s Addiction, Lollapalooza se realizó anualmente hasta 1997 y fue revivido en 2003.  El festival encapsula la cultura joven de los años 1990. «Generación Lollapalooza» es a veces sinónimo de «Generación X». El Lollapalooza inaugural estuvo de gira por Estados Unidos y Canadá desde mediados de julio hasta finales de agosto de 1991.

Este festival se realiza anualmente en Santiago de Chile, Buenos Aires, Sao Paulo, Berlín, París, Estocolmo y Chicago. En esta última ciudad el show tendrá lugar desde el 3 al 6 de agosto en Grant Park con artistas tan variados como Billie Eilish, Karol G, The 1976, Red Hot Chili Peppers, entre otros. (MIB)

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Quito, 07 jul (La Calle).- Cuando era adolescente, hace no mucho tiempo atrás, empecé a sumergirme e interesarme en el rock clásico y el pop de los años 80 y 90. Era imposible no toparse con una canción de George Michael en ese gran universo musical. Con el tiempo se volvió habitual tenerlo en mis playlists y es uno de mis artistas favoritos.

Pero en honor a la verdad, George Michael no sería George Michael sin Wham!, el dúo británico que tuvo un considerable éxito hasta 1986 cuando decidieron separarse. De eso trata el nuevo documental sobre este dueto. Profundiza en la amistad entre Georgios Kyriacos Panayiotou (el nombre de pila de Michael) y Andrew Ridgeley, su compañero en la banda.

Dos amigos del colegio

George y Andrew se conocieron en la adolescencia y formaron una amistad particular y sólida que luego derivó en el sueño de formar una banda que fuera exitosa. En el audiovisual vemos que no fue fácil al principio, pero que poco a poco se fueron abriendo las puertas para convertirse en los favoritos de la juventud británica.

No todo era música, George Michael pasaba por un período de reconocimiento de su propia sexualidad, algo que no pudo asumir públicamente en los primeros años de Wham!, pero que si se volvió problemático para su salud mental conforme pasaba el tiempo, era una superestrella, un símbolo sexual y no salía del armario, mejor dicho, posiblemente no sabía cómo.

Muchos de los periodistas y los críticos musicales machacaban a Andrew por considerar que no hacía nada en la banda y que George Michael lo mantenía, pero el documental nos muestra, a través de sus propios testimonios que Andrew fue una pieza clave para que George dejara de lado la timidez que lo caracterizó en sus años de adolescencia y pueda encontrar su camino artístico. Era un artista completo: componía, escribía y producía, pero también tendía a ser vulnerable frente al fracaso y la necesidad de ser el mejor lo consumía. A Andrew no lo ponía celosos el éxito de su mejor amigo, él lo alentaba a ser la superestrella que estaba destinada a ser. Si eso no es amistad, entonces no se que más podría significar.

Dos canciones

A pesar de que en 1986 dieron su último concierto y George Michael despegó con su carrera como solista hasta su fallecimiento en 2016, Wham! aún se escucha. Destaco dos canciones vitales de su discografía. Careless Whisper que salió en el album Make it big, con George figurando como solista. Solo escuchar los primeros acordes de la canción y ese legendario saxofón del intro te dice que sería un gran éxito. Fue relanzada después por George Michael en solitario ya.

La otra canción es, obviamente, Wake me up before you go go, que nació de una graciosa anécdota que también se cuenta en el documental. Fue su primer número uno y una canción que aún bailamos porque la alegría que nos entrega cada nota de su melodía. Larga vida a Wham! y por supuesto a George Michael.

Pueden ver el documental, aquí.

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La agrupación artística denuncia a través de sus redes sociales que el programa fue interrumpido por miembros de la Policía Nacional sin ninguna explicación. «El hecho es que cuando el grupo estaba cantando en el escenario de un teatro repleto de público, la Policía llegó al lugar con la orden de detener inmediatamente el espectáculo», publicó.

Los artistas de Quilapayún rechazaron la censura y desconocen las razones por las cuales su presentación fui abruptamente suspendida. También señalaron que fueron obligados a abandonar el lugar.

«En sus 58 años de existencia, el Quilapayún nunca se vio, hasta hoy, en una situación semejante. Los asistentes al espectáculo se retiraron del lugar tan sorprendidos como los artistas», poostearon.

La agrupación, compuesta por músicos chilenos, es autora de éxitos como "Venceremos", "Vamos, mujer", "La Muralla", "El pueblo unido jamás será vencido". 

La Casa de la Cultura se pronunció al respecto. La institución expresó su respaldo con los músicos y calificaron el suceso de inaceptable. Asimismo, advirtió que es un ataque violento contra la libertad de expresión y diversidad cultural.

«Es inaceptable que un evento artístico de tanta relevancia como el Quilapayún haya sido bruscamente interrumpido por la Policía sin una explicación clara ni justificación aparente (…) la agrupación es histórica en la música popular latinoamericana, merece respeto y reconocimiento por su aporte al patrimonio cultural de nuestra región», reza el comunicado.

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«Ayer hubo varias conversaciones en Twitter sobre qué puede hacer este país por el arte. Demosle la vuelta a esa pregunta ¿Qué puede hacer el arte por este país? Invito a todos los grupos musicales, a todos los artistas ecuatorianos, no importa el estilo de música, a armar un concierto por la paz», dijo Topic.

Agregó que él pondría «la tarima, la logística. Ustedes pongan la música ¿Costo de entrada? Ropa, alimentos no perecibles, agua. Todo lo cual distribuiremos, donaremos por medio de la plataforma ecuadorsinmiedo.ec a las provincias por las lluvias torrenciales».

¿Hubo respuestas?

Pancho Terán fue directo en su respuesta al candidato. «Sin ánimo de polemizar, ¿le pedimos que nos de sus propuestas para generar TRABAJO en una de las áreas más castigadas de la industria y usted propone que trabajemos gratis para levantar fondos? Para eso es lo que más nos llaman y si no podemos por x razón, nos llaman insensibles».

Por su parte, AU-D respondió:»Me parece genial que estés interesado, motivado a discutir y recibir ofertas de cómo mejorar la industria musical y de la cultura en el Ecuador. Es un tema un poco amplio, no creo que con un concierto se resuelva, pero ya estamos un grupo de artistas, muy activos en la industria, haciendo un proyecto escrito que vamos a presentar a todos los candidatos para que se informen mejor sobre qué pueden hacer para mejorar la industria de la música en Ecuador. En unos días estaremos presentando el proyecto».

No obstante, bandas y artistas como Cadáver exquisito, Van Mozart, Jenny Villafuerte, Tortuguita Ec le dieron la confirmación y el visto bueno para el concierto por la paz. (MIB)

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Desde hace algún tiempo, había dado indicios de su regreso y finalmente el día llegó. En estos dias se anunció el estreno de su nuevo EP. Mismo que se encuentra disponible en todas las plataformas de distribución digital. A Can Can se encuentra en redes como: @cancanbanda.

Este nuevo trabajo cuenta incluso con una edición limitada en formato de vinilo, donde podrán escuchar las diez canciones, que juntas tienen una duración aproximada de 30 minutos.

El albúm está producido por la misma banda, en colaboración de Ivis Flies, los temas cuentan con una sonoridad y una letra propips y característicos de la banda. Mismos que nos regresan a la época de los 90-2000. El rock, el pop, la música electrónica y matices similares jamás faltaron en la esencia de Can Can.

Los artistas quiteños desde sus inicios se caracterizaron por la calidad de sus producciones, una asapecto que sigue vigente en este nuevo trabajo. También cabe recalcar que al estar activos desde 2002, «Del Tiempo Muerto» llegó para su vigésimo aniversario. (M.J / J.R)

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Varios artistas han fallecido a la edad de 27 años. Las causas: Abuso de drogas, alcohol y suicidio. Esa es la impronta del “Club de los 27”, a quienes la fama les empujó a los excesos que terminaron con su vida. Esto ha desencadenado un mito cultural fúnebre alrededor de la música.

Sin embargo, a pesar de las evidencias, muchos mitos se tejen alrededor de los personajes fallecidos a la edad de 27 años. Unos hablan de fuerzas oscuras asociadas a los Illuminati que idean planes perfectos para deshacerse de grandes estrellas del espectáculo, otros lo asocian a la numerología y la supuesta vibración alrededor del número perfecto (2+7=9).

Más allá de esas elucubraciones forzadas, hay una realidad que les conjuga: La fama, la música y los excesos. 

En este club constan grandes figuras de la música como el guitarrista Robert Johnson, es el primer miembro de esta tétrica lista. El rey del blues falleció el 8 de mayo de 1938, se presume que bebió alcohol envenenado, se perdió tres días y apareció muerto. El mito urbano gira alrededor de una historia de celos. Al parecer, el propietario de un local donde iba a tocar el grande del blues, no le agradó las insinuaciones seductoras hacia su esposa y decidió envenenarlo.

Uno de los fundadores de la mítica banda de los Rolling Stones, el británico Brian Jones, también forma parte del “Club de los 27”. Este joven incomprendido en el ámbito musical, se volvió adicto a las drogas y un mes después de dejar la banda de Mick Jagger, apareció muerto en la piscina de su casa, en febrero de 1969.

Otro de los que conforman esta trágica lista es el inigualable y legendario guitarrista Jimi Hendrix. En una corta carrera de 4 años marcó un hito en la historia de la música, se caracterizaba por su particular forma de tocar la guitarra y también por sus excentricidades en el escenario, como prenderle fuego  a su guitarra en pleno concierto o tocar con los dientes. Fue uno de los artistas mejor pagados de Woodstock en 1970, en ese mismo año falleció, el 18 de septiembre, con sobredosis y ahogado en su propio vómito.

Pocos días después de la trágica muerte de Jimi Hendrix, la reina del Rock and Roll y del Soul Psicodélico, Janis Joplin, dejaba este mundo en la cúspide de su carrera, el 4 de octubre de 1970. El cuerpo sin vida de este genio de la música fue encontrado en un motel de Los Ángeles. Según el informe médico, murió de sobredosis de heroína, sustancia a la que era adicta la cantante.

El 3 de julio de 1971, los fanáticos de la mítica banda The Doors, lloraron la pronta partida de Jim Morrison, uno de los cantantes más afamados, seguidos y escuchados en esa época. Fue encontrado muerto en la bañera de su apartamento en París. Según el informe médico habría fallecido por un fallo cardiaco. Sin embargo, hay muchas especulaciones sobre las causas de su deceso ya que no se le practicó la autopsia y esto alimentó varios rumores como el de una sobredosis de drogas.

El norteamericano compositor, cantante y guitarrista de la mítica banda Nirvana, Kurt Cobain, también forma parte del funesto “Club de los 27”. Su infancia estuvo marcada por el divorcio de sus padres, esto conllevo a que tenga un recuerdo infeliz de esa etapa de su vida. Sin embargo, encontró en la música la escapatoria a ese dolor. Alcanzó la cima de la fama en corto tiempo. De igual forma, logró un éxito económico inesperado y también adquirió la adicción por la heroína. El 5 de abril de 1994, el mundo entero conocía la cruenta noticia del fallecimiento de Kurt Cobain. Sobre las causas de su muerte hay dos versiones: La primera gira alrededor de un supuesto suicidio, sobre todo porque Cobain habría manifestado en algún momento que le gustaría formar parte del club. La segunda versión recae sobre su esposa, quien le habría disparado en la cabeza. Hasta ahora no se conoce la verdadera causa de la muerte del creador del género musical grunge.

El 23 de julio de 2011, la voz explosiva de la británica Amy Winehouse se apagaba a los 27 años de edad. El blues rock estaba de luto y Amy se convertía en la segunda mujer en formar parte de la necrófila lista del “Club de los 27”. Su vida estuvo atravesada por la adicción a las drogas. Ingresó varias veces a centros de desintoxicación, sin embargo no pudo librar esa dura batalla. Para intentar escapar de las drogas empezó a consumir alcohol. La autopsia del cuerpo de Winehouse revelaba que en su sangre había una cantidad de alcohol que era incompatible con la vida.

Si bien muchos intentan encontrar un nexo causal, más allá del uso excesivo de las drogas, que permita consolidar el famoso “Club de los 27”, esto se ha convertido en una tarea titánica, tomando en cuenta que ya se han realizado análisis estadísticos alrededor de la probabilidad de muerte de artistas a la edad de 27 años, y no hay resultados contundentes para asegurar que hay otro denominador común más allá del de la fama y los excesos de sustancias prohibidas.

La vida desenfrenada que tienen los artistas y famosos hacen gala de la frase que mencionó el fallecido actor estadounidense, protagonista de la película “Rebeldes sin causa”, James Dean: “Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver”.

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Milanés es una de las grandes voces cubanas de todos los tiempos, el creador de canciones de amor inolvidables como Yolanda, Ámame como soy o El breve espacio en que no estás, que son ya himnos; un músico admirado y querido por sus compatriotas y también por importantes artistas de todos lados que hicieron suyas sus letras y lo llamaban, sencilla y cariñosamente, Pablo, o Pablito.

El artista musicalizó de muy joven los versos de Nicolás Guillén y José Martí (nada menos) y fue pilar y fundador destacado del movimiento de la Nueva Trova cubana, que deslumbró al mundo en los setenta, y en el que no le gustaba que lo encasillaran, pues su sensibilidad y su obra iban mucho más allá.

También fue el cultivador brillante del filin (de feeling, sentimiento), del bolero y de la música tradicional cubana, el que primero rescató del olvido a viejos trovadores, como Compay Segundo, y sirvió de puente en su país entre generaciones y estilos, reconocido por su talento como uno de los grandes cantautores en lengua española.

Influencia y talento

Milanés (Bayamo, 1943) recibía desde hace unos años tratamiento médico en España, donde residía con su familia. El artista cubano deja un notable legado de canciones formidables y cerca de 60 discos que lo sitúan entre los nombres indispensables y más universales de la música iberoamericana.

La belleza de su voz privilegiada y su don para la interpretación, que le permitía llegar a registros donde la mayoría no alcanzaba, unida a su forma poética de decir, de aparente sencillez, pero cargada de una profunda sensibilidad que tocaba el alma con independencia del motivo que lo inspirase, marcaron a generaciones de cubanos y latinoamericanos.

Su música tuvo también fuerte arraigo en España, donde era bien conocido, y hasta en el pueblo más recóndito donde se presentara, jóvenes, medios tiempos y mayores se sabían sus letras. Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute, Ana Belén o Víctor Manuel son algunos de los artistas españoles que grabaron sus canciones y colaboraron con él. En su continente, figuras como Chico Buarque, Gal Costa, Armando Manzanero, Mercedes Sosa, Fito Páez, o salseros como Andy Montañez o Gilberto Santa Rosa, entre muchos otros, estaban entre sus devotos e hicieron lo propio.

Comienzo y final de una verde mañana, Años, Ya ves, Yo no te pido, Hoy la vi o Para vivir son parte de esa obra de Milanés que trascendió edades y fronteras y se convirtió en identidad de la mejor música hispanoamericana.

También causaron impacto en su momento canciones políticas como Yo pisaré las calles nuevamente, La vida no vale nada, o Yo me quedo, de las que nunca se desmarcó.

Luego vinieron las canciones más dolorosas de su repertorio, entre ellas, Días de gloria (“Vivo con fantasmas / Que alimentan sueños y falsas promesas / Que no me devuelven / Los días de gloria que tuve una vez”); Éxodo (“¿Dónde están los amigos que tuve ayer? ¿Qué les pasó? ¿Qué sucedió? ¿A dónde fueron? Qué triste estoy”) o La libertad (“A qué seguir respirando / Si no estás tú, libertad”).

Culto y sensible

Hablar solamente de sus composiciones políticas, o de las más poéticas, o de las más críticas en su desencanto, no es suficiente para comprender el verdadero significado y dimensión del cantautor, en quien era imposible separar al artista superdotado de la persona sensible, profundamente culta y cercana, que conectaba de inmediato con la gente y era capaz de mostrarse vulnerable ante el amor o de alzar su voz contra el racismo, la homofobia, el machismo (“la prefiero compartida antes que perder mi vida”, dice una de sus canciones), o de enfrentar cualquier injusticia.

Ese corazón tan especial, que ahora ha dejado de latir, es la esencia que explica su trayectoria vital y su obra, y es la razón de que su música siempre llegara al público y lo desarmara, cantara él sus propias canciones o interpretara los sones de los viejos trovadores, o de los clásicos del filin, el movimiento influido por el jazz que renovó la canción cubana en los cincuenta y sesenta, y que tuvo un gran peso en su formación.

Milanés no solo bebió del filin, bajo su fascinación compuso Mis 22 años, canción germinal que influyó notablemente en el surgimiento de la tendencia en la canción cubana conocida como Nueva Trova. Después, siendo ya un artista consagrado, le dedicó seis volúmenes al filin, que son verdaderas joyas de su discografía.

En ellos interpretó como nadie a José Antonio Méndez, a Marta Valdés y a César Portillo de la Luz, entre otros grandes compositores, e igual pasó con la trova tradicional, léase cantando a Sindo Garay, o compartiendo descargas con Compay, Miguelito Cuní, Luis Peña (El Albino), o Cotán, a quienes regaló tres discos antológicos que tituló Años.

Más allá de su ingente obra como compositor, Pablo siempre quiso ser, y fue, un gran puente entre géneros y generaciones de la mejor música popular cubana, pues, para él, esa sensibilidad era el fundamento de todo.

En la vida del artista hay muchos hitos. Sin duda, uno de los grandes fue su paso por el Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, bajo la dirección del maestro Leo Brouwer, al que pertenecieron también Silvio Rodríguez, Noel Nicola, Eduardo Ramos, Sergio Vitier, Emiliano Salvador o Sara González, entre otros.

El trabajo innovador de este taller creativo, entre 1969 y 1974, cambió los modos de entender y hacer la música cubana, y aquello cuajó en el movimiento de la Nueva Trova, que introdujo en la canción popular contenidos políticos y sociales pero tratados con hondo lirismo.

La Nueva Trova

En tiempos de las dictaduras de Chile y Argentina, la Nueva Trova se convirtió en América Latina en el alma de la izquierda y del movimiento revolucionario, pero Milanés siempre compaginó ese compromiso cívico con las más hermosas canciones de amor y desamor, que son hoy, quizás, las más recordadas.

Al artista, que tanto aportó a aquel movimiento, no le tembló la voz para denunciar y criticar duramente al Gobierno de su país cuando consideró que era inadmisible lo que estaba sucediendo. 

En una entrevista con EL PAÍS, recordando su paso en los años sesenta por los campos de trabajo forzados de la Unidad Militar de Ayuda a la Producción (UMAP), donde eran “internados” religiosos, homosexuales y todos aquellos que no cuadraban con los “parámetros revolucionarios”, lamentó que nunca nadie en Cuba se hubiera disculpado con ellos por aquel episodio tan terrible que, dijo, “no fue un hecho aislado”, sino parte de un proceso “estalinista que perjudicó a intelectuales, artistas y músicos”.

“Según la historia, en 1970 comenzó lo que se llamó el quinquenio gris, y yo digo que realmente comenzó en 1965 y fueron varios quinquenios”, comentó entonces.

Alma cubana

Además de músico, Pablo Milanés era sobre todo cubano ciento por ciento y ciudadano, y sus posiciones comprometidas le conectaron todavía más con ese público que lo adoraba y que para él era su razón de ser. Cuando en los días previos al agravamiento de su enfermedad, ortodoxos de aquí y de allá lo criticaron por “contrarrevolucionario”, los cubanos salieron en tromba a defenderlo: Pablo es Cuba, dijeron masivamente.

Milanés trasladó su residencia a España hace varios años para recibir tratamiento médico, aunque nunca olvidó a su gente y volvía siempre que podía a cantar y a ver a sus amigos. Llevaba un riñón trasplantado, que le donó su esposa, Nancy Pérez Rey, gallega y madre de sus dos últimos hijos, Pablito y Rosa, llamada así en homenaje a Rosa Parks, activista afroamericana y gran luchadora por los derechos civiles en EE UU.

El pasado verano, ya muy enfermo, quiso viajar a la Isla con su familia para ofrecer a su público un concierto memorable que fue toda una declaración de amor, y una despedida.

Milanés, ya en silla de ruedas, lo dio todo en aquella última presentación en La Habana y su voz sonó con más corazón que nunca: “Ámame como soy, tómame sin temor / tócame con amor, que voy a perder la calma / Bésame sin rencor, trátame con dulzor / mírame por favor / que quiero llegar a tu alma”, fue su última canción, y las gradas se vinieron abajo en aquel adiós.

Después hubo una fiesta en su casa, y junto a grandes nombres de la cultura cubana estuvieron allí con él tomando ron y whisky sus amigos de siempre, a los que siempre fue fiel y que, como todos los cubanos, menos los miserables, hoy le lloran, conscientes de que Milanés será para siempre uno de los más grandes cantores de su país, que es mucho decir.

Redacción: El País

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La presencia hispanoamericana está con Saoko que pertenece al más reciente álbum de Rosalía, Motomami (2022), por otra parte, Ojitos lindos se encuentra en Un verano sin ti (2022) en colaboración con la agrupación colombiana Bomba Estéreo.

«Todos los años, me entusiasma compartir mi lista de reproducción de verano porque me entero de muchos artistas nuevos gracias a vuestras respuestas: es un ejemplo de cómo la música puede unirnos a todos», escribió el expresidente en su publicación de Instagram.

La playlist también tiene éxitos de este año como Break my soul de Beyoncé o Music for a sushi restaurant de Harry Styles. No es novedad que la reina del soul aparezca en la lista de Obama, son amigos cercanos y tienen las mismas causas como Black lives matter en la que ambos están involucrados.

También hay espacio para los clásicos: Save me (1967) de Areha Franklin, Let’s go crazy (1984) de Prince, Blue in green (1959) de Miles Davis o Dancing in the dark (1984) de Bruce Springsteen. MIB

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Legendaddy Box: USD 260

Big Boss Platinum: USD 230

Gasolina Golden: USD 185

Palco: USD 100

Daddy’s Fan Zone: USD 85

Tribuna: USD 70

Preferencia: USD 50

General: USD 30

Las entradas están a la venta el 30 de marzo a las 10 de la mañana y se pueden adquirir en la página feelthetickets.com. También en los puntos de venta físicos en el Centro Comercial Scala, Condado Shopping Mall y el CCI Centro Comercial Iñaquito. El puertorriqueño ha lanzado su último álbum Legendaddy que cuenta con varias colaboraciones.

“Esta carrera, que ha sido un maratón, por fin veo la línea de meta. Este género, la gente me dice que lo hice global, pero fuiste tú quien me dio la llave para abrir las puertas para hacer de este género el más grande del mundo. Anuncio formalmente mi retiro de la música entregándoles mi mejor producción y gira de conciertos. Siempre trabajé para no fallarles, para no buscar ningún problema, con mucha disciplina, para poder inspirar a los niños a ser líderes, a soñar con crecer, a no pensar en las limitaciones y a trabajar por sus familias y su gente”, dijo en un vídeo en el que anunciaba oficialmente su retiro. MIB

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