Millones de espectadores hacían filas sin importar las bajas temperaturas a las que estaban expuestos, se prohibió en varios países y en las salas de cine, algunos vomitaban o se desmayaban por el susto. Con un presupuesto de USD 12 millones, recaudó la impresionante cifra de USD 441 millones.

El germen del mal

La película se gestó mucho antes de su estreno. En 1949, un estudiante de la Universidad de Georgetown, William Peter Blatty se interesó por el caso de un niño poseído, Ronald Edwin Hunkeler que fue exorcizado durante seis semanas hasta el 19 de abril de 1949. Le llevaría a Blatty casi dos décadas escribir la novela que se publicó en 1971. No pasó mucho tiempo para que el director William Friedkin (fallecido en agosto de 2023) se interesara por la historia y se pusiera al frente de la dirección. De guionista estaba, por supuesto, el propio Blatty.

A diferencia de los monstruos clásicos de la Universal entre los años 30 y 50, la propuesta de El exorcista se acercaba más al terror cotidiano, era un suceso que podía sucederte a ti o tus vecinos. Los demonios han formado parte de la cultura popular desde los comienzos del cristianismo y una fuerza que puede llegar a cualquier parte de acuerdo con las creencias de las personas.

“No es una película de vampiros o extraterrestres; es de gente que vive en tu calle” -explicó el director Friedkin-, “una calle que existe, en una ciudad que existe, en el que personas reales viven en una casa, en la que arriba, en el tercer piso, hay una pequeña niña, que está poseída por un demonio”.

La interpretación de Linda Blair

Lo que más resalta en la novela y la película es Reagan MacNeil, la niña poseída por el demonio Pazuzu, por lo que debe someterse a una serie de exorcismos. La película volvió famosa a Linda Blair, quien hizo una extraordinaria actuación, sin embargo, nunca pudo safarse del personaje que la lanzó al estrellato.

Su voz y los chillidos que lanza durante su transformación son unas de las cosas más importantes de su actuación, pero también las heridas que se mostraban en su cara, obra del maquillador Dick Smith. Según la historia real, el niño poseído tenía heridas en la cara y la palabra hell (infierno) escrita en su cuerpo.

A pesar de la preocupación de sus compañeros de reparto por las actuaciones y diálogos que no eran apropiados para su edad, Linda se tomaba con mucha seriedad y madurez su papel. “Mi religión es cristiana y nunca discutimos del diablo, por lo que para mí se trataba simplemente de un personaje ficticio, no era real”, indicó la actriz.

Dos imágenes fuertes y que pasaron a la historia del cine fueron cuando gira su cabeza 360 grados y la masturbación con un crucifijo.

Escenas memorables

La película hace un espeluznante manejo de la luz y sombras, un ejemplo es cuando el padre Merrin llega a la casa de Reagan en medio de una niebla terrorífica que denota el lugar a donde está llegando. Otra escena es la que no aparece en la versión original de 1973, pero si en el reestreno del 2000, donde Reagan baja las escaleras de espaldas al suelo apoyándose de sus manos y pies como una araña.

La empinada escalera de 75 escalones en la que muere el padre Karras, luego de lanzarse por la ventana tras liberar a Regan del demonio se volvió un lugar icónico y de culto para los fanáticos cuando visitan Georgetown. (MIB)

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Permíteme que te cuente sobre la odisea de Neisi Dajomes, no solo en su desafío contra los fierros y las pesas, sino contra la mismísima existencia compuesta por las tragedias y alegrías que a veces la adornan.

¡Eh! Y no me acuses de darte spoilers, porque no te estoy arruinando nada, esto apenas solo la punta del iceberg. Vamos a sumergirnos en cómo la vida le lanzó desafíos tan pesados como las pesas que ella y su hermana levantan, y cómo, con determinación y pura tenacidad, los convirtió en triunfos.

Ahora, aquí entre tú y yo, ¿cuántas veces has pensado en tirar la toalla ante los embates de la vida? Yo, como luchador que he sido, pocas vecer. Y Neisi, la protagonista de este film nos recuerda que, aunque nuestras espaldas se arqueen bajo el peso de nuestras circunstancias, siempre hay una fuerza interna que nos impulsa a levantarnos.

Por supuesto, un aplauso para Daniel Yépez Brito, Irina López Eldredge y al equipo de Regusto Films. Pero no, no por la dirección o producción. ¡Bravo por capturar el alma de un espíritu indomable durante tantos años de rodaje! Sería interesante mantener una entrevista a profundidad con ellos para descubrir cómo fue el proceso y cuál hubiese sido el plan B en caso de que Neisi, en un universo paralelo, no hubiese alcanzado su medalla olímpica.

Neisi no es solo una campeona olímpica de halterofilia; es una campeona de la vida. Y esta película… no es solo una película. ¡Por el amor de Martin Scorsese! Es un filosófico puñetazo en la cara para aquellos que no se atreven a soñar o que dejan las cosas empezadas a medias.

Pero, pongamos un momento a un lado las pesas y los podios y adentrémonos en el sueño. Porque al final del día, es la pasión y el anhelo de Neisi lo que te mantendrá pegado a la pantalla, con el corazón latiendo a mil por hora.

Ahora bien, podrías preguntarte: ¿por qué debería importarme una película sobre una pesista, por más campeona olímpica que sea? ¡Ay, querido explorador de cinematecas! Porque no es sobre pesas. Es sobre la vida y cómo enfrentarla, es sobre inspirar y ser inspirado, y es sobre la magia que ocurre cuando decides no rendirte jamás, pese a todo tipo de adversidad, desde la muerte de tus seres queridos, pasando por la falta de apoyo y robo descarado de la dirigencia deportiva, hasta las incertidumbres que causó la pandemia del 2020.

Entonces, si estás listo para levantar algo más que tus expectativas y sumergirte en una experiencia cinematográfica que te retará a cuestionar tus propios límites, «Neisi: La Fuerza de un Sueño» es tu próximo destino. No solo la veas, vívela, siéntela. Y luego, ¡atrévete a soñar tan alto y fuerte como Neisi!

Y para cerrar, recuerda estas palabras que me han acompañado mientras disfrutaba de la película: «No se trata de levantar pesas, sino de levantar el alma». No dejes de asistir al cine desde hoy, 9 de noviembre, y disfruta de esta película.

DP

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Oppenheimer ganó siete premios en los Oscar 2024. Mejor película, mejor dirección, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora original. 

Los críticos de cine ya empezaban a darle el visto bueno a la nueva película de Christopher Nolan, lo que para mí era otra buena señal de que Oppenheimer prometía tanto en calidad de imagen como en el desarrollo de la historia. La primera fue la filmografía del director, cuyo trabajo ha sido siempre excepcional.

Y así fue. No recuerdo haber visto otra película tan larga después de Lo que el viento se llevó. Oppenheimer dura tres horas, unos 10 minutos más que Interestellar, pero cada minuto vale la pena.

Como algunos sabrán, la película trata sobre la vida del «padre de la bomba atómica», Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) y su trabajo en el plan Manhattan que desarrolló esta arma de destrucción masiva. También pasa por aspectos centrales del físico como la relación consigo mismo, su familia, el amor y sus actividades secretas.

De la trama se destacan tres puntos importantes: su aporte científico, sus dilemas morales y el control político de la ciencia. Está basada en el libro Prometeo americano: El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer de los historiadores Kai Bird y Martin J. Sherwin

El actor irlandés demuestra con creces la preparación que tuvo para meterse en la piel de un científico brillante, que llega a crear una gran invención y que después empieza a atormentarse por las consecuencias.

También destaca todo el impecable elenco a su lado. Robert Downey Jr., en el papel del almirante Lewis Strauss, Emily Blunt y Florence Pugh fungiendo como los intereses amorosos de Oppenheimer, Matt Damon como el general encargado del proyecto Manhattan y un listado de talentosos actores que incluye a Rami Malek, Jack Quaid o Tom Conti en el papel de Albert Einstein.

De la tecnología destaca la calidad de grabación, el film se grabó en película de 70mm. En físico se extiende durante casi 18 kilómetros y pesa 272 kilos. El mismo Nolan ha hablado de las ventajas.

«La nitidez, la claridad y la profundidad de la imagen son inigualables. Lo más destacado para mí es que al filmar en IMAX 70mm, realmente haces que la pantalla desaparezca. Obtienes una sensación de 3D sin necesidad de gafas. Tienes una pantalla enorme y estás llenando la visión periférica del público. Los estás sumergiendo en el mundo de la película».

Es recomendable verla en formato IMAX. Se les erizará la piel y la sentirán como si estuvieran allí mismo en los Álamos junto al físico y su equipo. Oppenheimer está disponible en los cines de Ecuador desde el 20 de julio y en Supercines para formato IMAX.

Esta noche fue actualizada el 10 de marzo de 2024 tras la entrega de los premios Oscar.

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Fast X, la penúltima entrega – al menos de momento – de la saga Fast and furious se ha estrenado en cines. Confieso que perdí el entusiasmo después de la séptima entrega, sin embargo, guiada por la pegadiza y exótica banda sonora, fui al cine a pasar un rato divertido..

Hago énfasis en lo divertido porque como cualquier blockbuster, lo importante es relajarse y disfrutar como si estuvieras en un coche. Subes, arrancas y te dejas llevar. La décima parte de esta serie de películas no difiere mucho de las demás. Encuentro varios aciertos que relataré a continuación (alerta, que podrían venir spoilers)

En primera, la aparición de Rita Moreno como la abuela de Dominic Toretto (Vin Diesel) que recalca – aún más si eso es posible – el tema de la familia, el eje central de la saga. Un homenaje a la octogenaria actriz que tiene otros proyectos a estrenarse este año.

Además de la elección de villano, Jason Momoa, en la piel de Dante Reyes, el hijo del narcotraficante Hernán Reyes de Rio de Janeiro, que acusa a Toretto de desgraciarle la vida tras robarle la caja fuerte. Disparatado, loco. La actuación de Momoa le aporta un toque de humor a una película caracterizada por la acción.

Vemos que los personajes ya conocidos regresan a sus papeles, pero además de Momoa se suma Brie Larson como la hija del señor Nadie, quien ha admitido que sus escenas de pelea le dieron más guerra que las de su personaje Capitana Marvel en el MCU.

Otros conocidos como John Cena, Charlize Theron o Jason Statham regresan a la película que conecta con la parte cinco, donde roban la caja fuerte y un hombre mata al padre de Dante. Ese hombre aparecerá solamente en la escena post-créditos (recomiendo que no se salgan de la sala antes de tiempo) que revela que Fast X no es la última y la familia deberá dar un último viaje.

Si quieren pasar un momento divertido en el cine. Esta es una opción ligera para hacerlo.

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No pocos personajes han cautivado la gran pantalla de Hollywood en el siglo XX, pero Marilyn Monroe fue una de las estrellas más mediáticas, icónicas y desgraciadas de su época. Una novela sobre su vida (con varias licencias artísticas) apareció en 2000 bajo la pluma de la escritora Joyce Carol Oates. El director Andrew Dominik decidió darle vida en formato de película con un reparto espectacular donde destaca Ana de Armas como Monroe.

Los internautas no perdieron el tiempo para criticar a la obra. Es importante, creo yo, tomar en cuenta que es ficción. Muchos de los sucesos se han imaginado a partir de los aspectos más importantes de la vida de Marilyn, además que la época en la que vivió estaban presentes con mucho más fuerza que hoy el machismo, la violencia, las drogas.

El hilo narrativo de Blonde maneja la dicotomía Marilyn Monroe /Norma Jeane Baker. Norma vivía con Marilyn y viceversa. Con el pasar de los años, Norma se apagaba mientras que Marilyn tomaba el control. «Soy esclava de Marilyn Monroe» o «La chica que está en la pantalla no soy yo» son frases que parecen retratar la lucha interna de Norma por no ser solamente la rubia guapa a quien la brisa del metro le sube el vestido en La tentación vive arriba (1955)

Además de dualidad, otro punto importante es la pérdida del padre. Norma Jeane no conoció a su padre y su madre terminó recluida en un hospital psiquiátrico. En la película la búsqueda de su padre se da a través de los años. El beisbolista Joe DiMaggio y el dramaturgo Henry Miller son dos caras de la vida marital de Monroe. La escucharemos decirles «papi» en varias ocasiones y en buscar esa figura por el resto del film

¿Quién era Marilyn Monroe? ¿una bomba sexual que los volvía a todos locos? ¿una chica que quiso que la tomaran en serio como actriz? ¿una gran conocedora del teatro que no pudo separarse de Hollywood? ¿una de las amantes de John F. Kennedy? Son tantas las preguntas y las aristas de esta actriz y tal vez nunca las lleguemos a responder.

El reto de develar a Marilyn Monroe dejó de ser solo de los biografos y cayó en manos de los escritores y directores. Ana de Armas, comandando esta película, muestra una gran técnica y una actuación precisa que posiblemente llegue a las nominaciones al Oscar. Más que criticarla, podemos disfrutar de esta película, una de las tantas formas de mirar a Marilyn Monroe.

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Las adaptaciones de las novelas de la escritora británica son variadas como en una dulcería, pero no todas han cumplido con los demantantes lectores de Austen que esperan tener una fiel adaptación a lo escrito en los libros. Esta película es todo lo contrario.

Dirigida por Carrie Cracknell, la película se toma ciertas licencias creativas, de la que más resalta el rompimiento de la cuarta pared, una práctica no tan habitual en el cine, pero que, bien utilizada, puede tener un gran efecto en los espectadores.

Dakota (Anne Elliot en la película) nos cuenta su desventura y posterior encuentro con el capitán Frederick Wentworth interpretado por Cosmo Jarvis, como si fuera una amiga. De esas con las que te reunes para ponerle al día con los sucesos en la vida de cada una. Nos acerca a los acontecimientos y finalmente terminamos inmersos en la política. La carta que le escribe Wentworth puede ser de las más conmovedoras de toda la películay la que aflora los sentimientos de angustria e incertidumbre de Anne por perder al hombre que ama.

Posiblemente tenga sus detractores, ninguna adaptación es lo suficientemente perfecta si la comparamos con el libro, pero sin lugar a dudas, el juego de inmersión que plantea Cracknell es una buena forma de darle un toque distinto a la novela y recordar lo vigente que sigue siendo Jane Austen en la literatura mundial, a pesar del inminente paso del tiempo. MIB

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Quito, 8 nov (La Calle).- El café, las amplias y blancas faldas, el vallenato, el sombrero vueltiao, las arepas, la flora y fauna colombianas aparecen en Encanto, la nueva película animada de Disney que resalta la cultura colombiana.

Encanto se apega al realismo mágico, característico de obras como Cien Años de Soledad y Alejo Carpentier, «El Reino de Este Mundo».

La película narra la historia de los Madrigal, una familia donde cada integrante posee una característica única entre las montañas colombianas. Cuenta, también, con una integrante algo atípica, Mirabel, la única en la familia que no posee un poder mágico, pero que tratará de salvar a su familia.

Cultura y tradición

El largometraje animado resalta varios aspectos de la cultura y la tradición colombianos como la cultura del café. La negra y fragante bebida está presente a toda hora y en cada comida para los colombianos. Otro aspecto que rescata la película es la unión familiar que por lo general en América Latina es muy importante. Los Madrigal son representados como una familia numerosa y unida a pesar de la peculiaridad de Mirabel.

Por otro lado, la animación muestra a una tradicional casa colombiana. La casa de los Madrigal, resalta lo tradicional de las casas de Barichara – Santander, un municipio ubicado al norte de Colombia.

Las estructuras integran una mezcla de elementos coloniales, como techos a dos aguas o inclinados, vigas de madera, tejas de arcilla y paredes estucadas.

En película se aprecia parte la vestimenta tradicional del país, lo más representativo es el sombrero vueltiao y los trajes blancos que ayudan a aguantar el calor propio de la región.

La banda sonora de la película contiene música de Carlos Vives, quién preparó el tema «Colombia: Encanto» para la cinta animada. Así también se pueden escuchar a los tradicionales vallenatos interpretados con acordeón.

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Hoy no traigo recomendaciones, vengo con la pregunta: ¿es mejor el libro o la película? Y esta es una de las preguntas más comunes cuando se une literatura y cine. Así que se me ocurrió poner por escrito mis ideas. Tal vez tú tengas otras razones y me encantará conocer tu opinión.

Es imposible escoger. En primer lugar, debo decir que yo no puedo escoger y me parece muy poco riguroso comparar dos lenguajes que son totalmente distintos. Podemos decir que la narrativa une ambas formas de arte, pero también tienen encantos muy diferentes. Cuando lees un libro, tu concentración se centra en palabras que unidas forman sensaciones, imágenes, sonidos, olores, todo un universo. Cuando miras una película, te dejas llevar por imágenes, colores, sonidos, música, rostros, paisajes, todo un universo. Ninguno es más pequeño o completo que el otro, ambos son igual de complejos y tan hermosos.

Parece que el libro dice más, pero solo debemos fijarnos un poco más. Puede ser cierto, el libro es un poco más abierto para nuestros sentidos porque nos deja imaginar más. Cuando nos narran una historia, el autor coloca deliberadamente ciertos vacíos que nuestra mente llena de color, vestuario, paisaje y mucho más. En el cine, esto puede resultar “ya hecho”. Sin embargo, solo es cuestión de pensar que todo se construye en el cine. Es decir, si el director decidió que se debe usar un campo de girasoles, es una decisión deliberada y artística. Los colores, el vestuario, el escenario y todo lo demás es el resultado de una puesta en escena. Descubrir los sentidos de cada pieza del cine es tan emocionante como imaginar un libro.

Unos sueñan con palabras, otros con imágenes. David Lynch dijo en una entrevista que le resulta muy difícil explicarse con palabras. Mientras tanto, me imagino a Alejandra Pizarnik inundada de palabras que no alcanzan a definir sus sentimientos. Cada persona es un mundo complejo que puede que se acerque más a lo visual o a lo textual. No hay forma de arte mejor o peor que otra. Así que solo es cuestión de encontrar cómo te gusta expresar tu vida. También hay personas que tienen facilidad para caminar por distintas artes y expresar su vida en cada una de ellas. Así que basta de comparar libros con películas, solo nos queda disfrutar.

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